Le Kingston Trio amène la musique folk au sommet des charts pop américains

Le Kingston Trio amène la musique folk au sommet des charts pop américains


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Le 17 novembre 1958, « Tom Dooley » du Kingston Trio atteint le premier rang sur le Panneau d'affichage graphique pop.

Bien qu'ils n'aient peut-être pas voulu le reconnaître, les fans des protestataires des années 1960 devaient probablement l'existence même du mouvement à trois types en coupes d'équipage et chemises à rayures qui ont perfectionné leur acte non pas dans des wagons de marchandises ou dans des cafés de Greenwich Village, mais dans les fraternités et sororités de l'Université de Stanford au milieu des années 1950. Dans leur musique comme dans leur apparence physique, le Kingston Trio trahissait peu d'inconfort avec le statu quo sociopolitique des années 1950. Pourtant, sans les énormes profits que leur musique a générés pour Capitol Records, il est impossible d'imaginer que des contrats d'enregistrement de majors soient jamais accordés à certains de ceux qui remettraient en question ce statu quo dans la décennie à venir. Joan Baez et Bob Dylan, par exemple, ont peut-être dû leur développement musical et politique à des précurseurs comme Woody Guthrie et Pete Seeger, mais ils ont probablement dû leur viabilité commerciale au Kingston Trio, qui a introduit le son étonnamment frais d'un film centenaire. vieille chanson folklorique dans le courant dominant de la pop américaine de 1958.

La chanson "Tom Dooley" a probablement été chantée pour la première fois après le 1er mai 1868, lorsqu'un homme de Caroline du Nord nommé Tom Dula a été pendu à mort pour le meurtre de sa fiancée, Laura Foster. Grâce à une large couverture dans les grands journaux comme LesNew York Times, le procès de M. Dula a fait de lui une cause nationale célèbre, et il a proclamé son innocence du meurtre alors même qu'il se tenait sur la potence. On ne sait pas quand ni par qui la ballade meurtrière lugubre basée sur son histoire a été écrite, mais elle a été ressuscitée par le Kingston Trio à la fin des années 1950 après avoir entendu un autre chanteur folk l'interpréter lors d'une audition au club Purple Onion de San Francisco.

La version de "Tom Dooley" du Kingston Trio se concentrait davantage sur les atmosphères moroses des Appalaches que sur les détails graphiques du quadrilatère amoureux trouvé dans l'original, mais ce compromis, combiné aux harmonies sur banjo du Trio, a fait de "Tom Dooley" le succès gigantesque qui a lancé leur carrière massivement réussie. Et le succès du Kingston Trio, à son tour, a permis à une marque de musique folk plus politique de s'intégrer dans le courant dominant populaire - et dans l'ADN du rock and roll - dans les années qui ont suivi.


Chanteurs de Whiskeyhill

Les Chanteurs de whisky ont été formés au début de 1961 par Dave Guard après son départ du Kingston Trio. Guard a formé les Singers pour tenter de revenir aux racines du Trio dans la musique folklorique. Les Chanteurs a duré environ six mois avant de se séparer. Pendant cette courte période, le groupe a sorti un album, Dave Guard et les chanteurs de Whiskeyhill, et enregistré un certain nombre de chansons pour la bande originale de Comment l'Occident a été gagné, mais seulement quatre d'entre eux ont été utilisés dans le film.


Contenu

Shane est né le 1er février 1934 à Hilo sur la grande île d'Hawaï, fils de Margaret (Schaufelberger) et d'Arthur Castle Schoen, un distributeur en gros de jouets et d'articles de sport. Sa mère était originaire de Salt Lake City et son père était un hawaïen d'origine allemande. [2] [3] [4] Shane était dans ses propres mots "un insulaire de quatrième génération". Il a fréquenté des écoles locales, y compris la prestigieuse école Punahou pour ses années de collège et de lycée. Le programme d'études de Punahou a souligné la culture hawaïenne natale, [5] complétant l'intérêt déjà en développement de Shane pour la musique en général et la musique hawaïenne en particulier.

Au cours de ces années, Shane (l'orthographe phonétique qu'il a commencé à utiliser en 1957) a appris par lui-même à jouer d'abord du ukulélé, puis de la guitare, influencé notamment par les guitaristes hawaïens de slack key comme Gabby Pahinui. C'est également au cours de ces années que Shane a rencontré son camarade de classe de Punahou, Dave Guard, et a commencé à se produire avec lui lors de fêtes et de spectacles de variétés à l'école.

Après avoir obtenu son diplôme en 1952, Shane a fréquenté le Menlo College à Menlo Park, en Californie, tandis que Guard s'est inscrit à l'université voisine de Stanford. À Menlo, Shane a rencontré et s'est rapidement lié d'amitié avec Nick Reynolds, originaire de la région de San Diego et également musicien et chanteur possédant une vaste connaissance des chansons folkloriques et populaires, en partie grâce au père mélomane de Reynolds, un capitaine dans la marine. . Shane a présenté Reynolds à Guard, et en 1956, les trois ont commencé à se produire ensemble dans le cadre d'une agrégation informelle qui pourrait, selon Reynolds, [6] s'étendre jusqu'à six ou sept membres. Le groupe a pris des noms différents, le plus souvent comme « Dave Guard and the Calypsonians ». Ils ne gagnaient guère plus que de l'argent dans la bière et n'avaient aucune aspiration professionnelle formelle. Shane a abandonné l'université au cours de sa dernière année et est retourné à Hawaï pour travailler dans l'entreprise familiale. [7] [8]

Cependant, Shane avait découvert une affinité naturelle pour le divertissement et la nuit, il a poursuivi une carrière solo à Hawaï, y compris des engagements dans certains des principaux hôtels de Waikiki. Le numéro de Shane consistait en un mélange éclectique de chansons d'Elvis Presley, Hank Williams, Harry Belafonte et des spectacles de Broadway. Au cours de cette période de plusieurs mois, il a également rencontré la légende du blues acoustique Josh White, qui a aidé Shane à affiner son style de guitare et l'a influencé pour soutenir sa voix avec une guitare Martin "Dreadnought", significative en ce sens que cela a conduit à l'association de longue date de Shane avec ce luthier. . [9] La société a rendu la pareille en publiant un certain nombre de modèles « signature » ​​honorant Shane et le Kingston Trio à la fin des années 1990 et au début des années 2000. [dix]

Au même moment, de retour en Californie, Guard et Reynolds s'étaient organisés un peu plus formellement en un groupe nommé "The Kingston Quartet" avec le bassiste Joe Gannon et sa fiancée, la chanteuse Barbara Bogue. Ce groupe est apparu pour un engagement d'une nuit dans un club appelé l'Italian Village à San Francisco, auquel ils ont invité le publiciste Frank Werber, qui avait vu le numéro des Calypsonians avec Shane quelques mois plus tôt au café en plein air Cracked Pot à Palo Alto. Werber a été impressionné par le talent naturel et la synergie entre Guard et Reynolds, il était moins impressionné par Gannon et Bogue, et a suggéré à Reynolds et Guard qu'ils seraient mieux en trio sans Gannon - plus facile à réserver et mieux musicalement. [11] Lorsque Guard et Reynolds ont laissé partir Gannon et que Bogue a suivi, Reynolds, Guard et Werber ont tous considéré Shane comme le troisième membre logique et lui ont demandé de retourner en Californie, ce qu'il a fait au printemps 1957. [12] La voix de baryton et le travail de guitare de Shane étaient à la base du son du Kingston Trio. [13]

Shane, Guard, Reynolds et Werber ont rédigé un accord informel (sur une serviette en papier, selon une légende que Werber a démystifiée) [14] qui s'est transformé en un partenariat juridique. Ils ont choisi le nom "Kingston Trio" parce qu'il évoquait, pensaient-ils, à la fois la musique calypso alors populaire qui émanait de Kingston, en Jamaïque, ainsi que le genre d'ambiance "collégiale" suggérée par leur tenue de scène rapidement adoptée de bouton assorti. chemises rayées à manches trois-quarts et col bas.

Sous la tutelle rigoureuse de Werber, Shane, Guard et Reynolds ont commencé des répétitions presque quotidiennes pendant plusieurs mois, y compris les instructions de l'éminente coach vocale de San Francisco, Judy Davis. La première rupture significative du groupe a eu lieu à l'été 1957 lorsque la comédienne Phyllis Diller a dû annuler un engagement à The Purple Onion, une petite boîte de nuit de San Francisco, et Werber a convaincu la direction d'embaucher le trio non testé pendant une semaine. Les harmonies étroites du trio, son répertoire varié et son humour soigneusement répété mais apparemment spontané sur scène en ont fait un succès instantané auprès des clients du club, et les fiançailles ont duré six mois. [15]

Au cours de cette période, Werber a utilisé la popularité locale du Kingston Trio pour tenter de susciter l'intérêt des maisons de disques. Après plusieurs faux départs, le groupe décroche un contrat avec Capitol Records, enregistrant son premier album en trois jours en février 1958. [15] Le producteur était le déjà légendaire (des sessions Capitol de Frank Sinatra des années 1950) Voyle Gilmore, qui réalisa décisions fatidiques. Gilmore a insisté sur le fait que le son acoustique du trio avait plus de "fond" et a ajouté un bassiste aux enregistrements. Il a également décidé que le groupe devrait être enregistré sans instrumentation orchestrale supplémentaire, ce qui est inhabituel à l'époque où les deux décisions sont venues caractériser presque tous les enregistrements et performances live ultérieurs du Kingston Trio. [16]

L'album Le trio de Kingston est sorti en juin 1958 au moment même où le groupe commençait un long engagement dans la plus importante boîte de nuit Hungry i de San Francisco. L'album comprenait le numéro qui est devenu la chanson signature de Shane, "Scotch and Soda", un travail de guitare puissant et rythmique de Shane tout au long, et une obscure ballade meurtrière en Caroline du Nord, "Tom Dooley" sur laquelle Shane a chanté le rôle principal.

À l'été 1958, alors que Shane et le trio se produisaient au Royal Hawaiian Hotel à Honolulu, le disc-jockey Paul Colburn à Salt Lake City a commencé à jouer le "Tom Dooley" coupé de l'album à l'antenne, et des DJ à Miami et à l'échelle nationale emboîté le pas. [17] La ​​réponse populaire a forcé un département marketing de Capitol Records réticent à sortir la chanson en single le 8 août 1958. [17] Elle a atteint la première place des charts Billboard et Variety, se vendant à un million le Kingston Trio à la fois son premier de huit disques d'or et de deux Grammys. [18]

Cela a inauguré une ère de succès remarquable à la fois comme enregistrement et interprétation pour Shane and the Trio. Rien qu'en 1959, le groupe a sorti quatre albums, dont trois ont atteint le statut n ° 1 et tous les quatre ont été dans le Top Ten du Billboard en décembre 1959, un exploit égalé uniquement par les Beatles. Treize de leurs albums se sont classés dans le Top Ten du Billboard, cinq d'entre eux étant classés n ° 1 et le premier album restant dans les charts pendant 195 semaines. [19] Une demi-douzaine de singles ont également été classés dans le Top 100. Le groupe a joué plus de deux cents dates par an pendant plusieurs années, pionnier du circuit de concerts universitaires et apparaissant également dans la plupart des meilleures boîtes de nuit, festivals et amphithéâtres du pays. [20]

C'est au cours de cette période, cependant, que le conflit a commencé à mijoter entre les amis du lycée Shane et Guard. Les différends sur la direction musicale du Kingston Trio et les désaccords sur les finances et les droits d'auteur sont les causes les plus fréquemment citées dans la décision de Guard au printemps 1961 de quitter ce qui était à l'époque le groupe le plus populaire de la musique américaine. [21] Shane, Reynolds et Werber ont racheté l'intérêt de Guard dans le partenariat et se sont rapidement déplacés pour trouver un remplaçant, en choisissant John Stewart, un jeune interprète et compositeur folklorique qui avait écrit un certain nombre de chansons que le Trio avait déjà enregistrées. Le Shane, Reynolds et Stewart Kingston Trio sont restés ensemble pendant encore six ans, publiant neuf autres albums sur Capitol et marquant un certain nombre de singles à succès du Top 40 jusqu'à ce que les ventes de disques diminuent en raison de la fin du boom folk populaire et de la montée des autres titres de Capitol. Les groupes majeurs, les Beach Boys et les Beatles, ont incité le groupe à déménager chez Decca Records. Ils ont sorti quatre autres albums avant de se séparer en tant qu'acteur après un dernier engagement au Hungry i en juin 1967. [22]

Shane n'était pas favorable à l'éclatement du Kingston Trio, à la fois parce qu'il sentait que le Trio pouvait s'adapter à l'évolution des goûts musicaux et parce qu'il était alors devenu un artiste accompli et un commerçant avisé. Décidant de rester dans le secteur du divertissement, Shane a expérimenté à la fois le travail en solo (il a enregistré plusieurs singles, dont une version de la chanson "Honey" qui est devenue plus tard un million de ventes pour Bobby Goldsboro) [23] et avec différentes configurations avec d'autres folk. interprètes orientés.

En 1969, il demande à Reynolds et Werber, toujours ses associés, l'autorisation de louer le nom du groupe. Ils acceptèrent les conditions que Shane assemble un groupe de qualité musicale comparable aux deux configurations originales et que "Nouveau" soit ajouté au nom. Shane a organisé deux troupes sous le nom de "The New Kingston Trio". Le premier était composé du guitariste Pat Horine et du banjoiste Jim Connor en plus de Shane et a duré de 1969 à 1973, le second comprenant le guitariste Roger Gambill et le banjoiste Bill Zorn de 1973 à 1976. Shane a essayé de créer un répertoire pour ces groupes qui comprenait les deux attendus. Les standards du Kingston Trio comme « Tom Dooley » et « MTA » mais aussi des chansons plus contemporaines, y compris des airs country et de nouveauté. La tentative n'a pas rencontré de succès significatif. Bien que ces deux groupes aient fait un nombre limité d'enregistrements et d'apparitions à la télévision, aucun n'a suscité beaucoup d'intérêt de la part des fans ou du grand public. [24]

Fin 1976, Bill Zorn souhaite poursuivre une carrière solo et quitte le groupe à l'amiable. Pour le remplacer, Shane a trouvé un jeune interprète nommé George Grove, un instrumentiste et chanteur. Shane s'est rendu compte que le plus grand atout du groupe en plus de sa voix et de sa présence en tant que membre fondateur était le nom lui-même. Par conséquent, il a acheté les droits du nom du Kingston Trio à Reynolds et Werber, et toutes les itérations ultérieures de la troupe de Shane depuis la fin de 1976 ont été simplement connues sous le nom de Kingston Trio.

En 1981, les producteurs de PBS JoAnn Young et Paul Surratt ont présenté une idée à Shane : un concert de retrouvailles que le réseau pourrait utiliser comme collecte de fonds et qui inclurait non seulement le groupe actuel de Shane, mais aussi des réunions sur scène des deux formations originales du Kingston Trio avec Garde et Stewart. Shane et les autres directeurs ont donné leur accord, et le concert a été mis en scène et enregistré au parc d'attractions Magic Mountain de Valence, en Californie, en novembre 1981, il a été diffusé sur les stations PBS en mars 1982.

Malgré quelques tensions résiduelles entre Guard et Shane, dont une partie a fait surface dans un le journal Wall Street article de Roy Harris sur l'événement et qui résultait des commentaires publics faits par Guard selon lesquels Shane se sentait dénigré à la fois lui et son groupe actuel, [25] le concert a eu un succès modéré et est devenu un point de repère dans l'histoire du Kingston Trio. Au cours des neuf années suivantes, Shane et Guard se sont réconciliés dans une large mesure. Guard souffrait d'un cancer bien qu'apparemment en rémission lorsque Shane et Reynolds lui ont rendu visite dans le New Hampshire à l'été 1990, et les trois ont discuté de la possibilité d'une tournée de retrouvailles qui mettrait à nouveau en vedette la troupe actuelle de Shane (qui à ce moment-là incluait une re- revigoré Nick Reynolds) ainsi que Guard et Stewart. Le lymphome de Guard est cependant réapparu et il est décédé en mars 1991. Shane était le seul membre de toute configuration du Kingston Trio à chanter lors du service commémoratif de Guard. [26]

Au cours des années qui ont suivi l'acquisition par Shane du nom Kingston Trio en 1976, le personnel du groupe a changé plusieurs fois, bien que Shane et Grove soient restés constants. Shane a guidé le groupe vers un succès qui, s'il n'a jamais été l'équivalent de la première décennie du groupe, n'en a pas moins été constant et constant. Le Kingston Trio de Shane s'est fortement appuyé sur une "formule des plus grands succès" augmentée par un certain nombre d'autres chansons acquises au fil des ans que les fans avaient acceptées comme faisant partie du répertoire du groupe.

En mars 2004, un mois après son 70e anniversaire, Shane a subi une crise cardiaque débilitante qui l'a forcé à se retirer des tournées et des représentations après 47 ans avec le groupe. [7] Bien que Shane ait initialement prévu de revenir au groupe après sa convalescence, l'attaque était assez grave pour justifier le retrait permanent de Shane de jouer avec le groupe qu'il possédait toujours. Il a été remplacé par l'ancien membre du New Kingston Trio, Bill Zorn.

Shane a été marié pendant 23 ans à l'ancienne Louise Brandon, ils ont eu 5 enfants et 8 petits-enfants. [4] [7] Le mariage s'est terminé par un divorce et il s'est remarié en 2000 à Bobbi Childress. [7]

Il est décédé le 26 janvier 2020 dans un hospice de Phoenix, en Arizona, à l'âge de 85 ans. [4] [7] [27]


Musique et chanson folkloriques


Frank Proffitt chante et joue pour Anne Warner en 1941. Pick Britches Valley,
Caroline du Nord.
(Collection Anne et Frank Warner. Photo de Frank Warner)

À partir de 1929, lorsqu'elle a recueilli sa première chanson folklorique auprès de sa compatriote du Vermont Dorothy Canfield Fisher, Helen Hartness Flanders a consacré trente ans de sa vie à trouver et à enregistrer des milliers de chansons folkloriques et de ballades interprétées par des chanteurs traditionnels du Vermont et d'autres États de la Nouvelle-Angleterre. Elle disait qu'elle était "dquoallergique" aux ballades : dès qu'elle s'en approchait, elle les attrapait. L'histoire des Archives de la culture populaire commence comme une histoire de &ldquosong-catchers.&rdquo

Un an plus tôt, en 1928, lorsque Robert W. Gordon est venu à la Bibliothèque du Congrès en tant que chef des archives nouvellement créées des chansons folkloriques américaines, il a apporté avec lui son rêve de collectionner toutes les chansons folkloriques américaines. Alors que d'autres collectionneurs étaient généralement intéressés par la recherche d'exemples survivants de ballades anglaises et écossaises, et étaient principalement intéressés par l'étude académique des textes de chansons, Gordon a collecté un large éventail de chansons auprès de divers informateurs. De plus, Gordon a fait des enregistrements sonores des chanteurs traditionnels qu'il a trouvés, afin de sécuriser non seulement les textes des chansons mais aussi leurs mélodies.

Le folkloriste texan John A. Lomax craignait que la radio et le gramophone découragent les gens de faire leur propre musique et que les chansons soient oubliées et perdues. Au cours des années 1930 et 1940, il a transporté une machine d'enregistrement dans tout le Sud, voyageant avec son fils Alan (ainsi qu'avec sa première épouse, Bess, et plus tard sa seconde épouse, Ruby). Les Lomax ont visité des fermes et des ranchs, des cours d'école et des églises, des boîtes de nuit et des prisons. En travaillant ensemble et séparément, le père et le fils ont enregistré des ballades de cow-boy, des chansons de travail, des chansons religieuses, des cris de campagne, du blues et de nombreuses autres formes d'expression traditionnelles. C'étaient des collectionneurs infatigables avec un talent étrange pour trouver des chanteurs traditionnels avec un large répertoire et les convaincre de chanter et de jouer pour la machine à graver les disques encombrante qu'ils emportaient avec eux.

La bourse Ballad aux États-Unis tire son origine de Francis James Child, du département d'anglais de Harvard. Child était l'éditeur de Les ballades populaires anglaises et écossaises (1882 & ndash 84). Les études folkloriques sont fréquemment associées aux départements d'anglais, et Robert Gordon et John Lomax ont été encouragés à poursuivre leur intérêt pour la chanson folklorique par les professeurs d'anglais de Harvard George Lyman Kittredge et Barrett Wendell.Mais la plupart des attrapeurs de chansons américains, qui ont exploité les technologies d'enregistrement successives en commençant par la machine à cylindre de cire Edison, étaient plus que des érudits littéraires. Ils croyaient que leur travail avait une importance morale qui transcendait les études universitaires.


Walking for Dat Cake Songster, "Contenant une collection complète de nouvelles chansons, blagues, discours de souche, qui ont fait de Harrigan & Hart les champions du jour, parmi lesquels on retrouvera les chansons suivantes. . ." Compilé par Edward Harrington et Tony Hart (New York : A.J. Fisher, 1877).
(Collection Robert W. Gordon Songster)


Glisser sur le ruisseau Songster .
(Collection Robert W. Gordon Songster)


Myrtle B. Wilkinson joue du banjo ténor, Turlock, Californie, 1939.
(Collection de projets de musique folklorique WPA en Californie. Photographe inconnu)

Opérant pour des motifs similaires à ceux d'autres ethnographes, Frances Densmore, Helen Heffron Roberts, Willard Rhodes et d'autres ont documenté la musique amérindienne, craignant que les Indiens d'Amérique déplacés de leurs terres ne soient également en danger de perdre leur culture. L'enregistrement sonore était particulièrement important pour ce travail, car les textes des chansons indiennes sont souvent composés non pas de mots trouvés dans la langue parlée du chanteur mais de vocables, de syllabes non lexicales, telles que Hey ou n / A, qui tombent dans des modèles façonnés par des considérations linguistiques, de genre de chanson et musicales.

Les chanteurs traditionnels (ou musiciens ou conteurs) sont ceux qui ont appris leur art de manière informelle, dans le cadre d'une famille, d'une tribu, d'une communauté ou d'un autre groupe très uni. De nombreuses chansons traditionnelles sont chantées au sein d'une même famille ou d'un même groupe folklorique depuis des générations, et remontent parfois à des lieux d'origine tels que la Grande-Bretagne, l'Europe ou l'Afrique. À un moment donné, la chanson aurait été composée par un seul individu, mais cet auteur n'est peut-être plus connu. La plupart des chansons folkloriques changent avec le temps, dans une plus ou moins grande mesure, au fur et à mesure qu'elles se transmettent d'une personne à l'autre et que de multiples variantes apparaissent.

Dans certains contextes, les chants traditionnels font partie intégrante de la vie quotidienne, et des chants particuliers sont interprétés pour accompagner des activités particulières associées au travail, à la célébration religieuse ou à des occasions sociales. Les ballades anglo-américaines proposent souvent des mises en garde et des leçons de morale, mettant en garde les jeunes femmes contre les tentations des prétendants à la langue de miel et les hommes contre les ruses des femmes infidèles. Les chants de marins et les chansons de chemin de fer peuvent fonctionner pour alléger le fardeau des tâches de routine et fournir un rythme qui aide les travailleurs à travailler en équipe. Les berceuses relient la mère et l'enfant, et les chansons et musiques de toutes sortes interprétées dans le cadre de la famille aident à lier une génération à la suivante.

Depuis 1976, année de la création de l'American Folklife Center, les collections Folk Archive se sont considérablement développées, à la fois en nombre d'articles et en étendue, pour inclure un large éventail d'expressions folkloriques. Mais l'activité phare du centre Folklife Reading Room, où les chercheurs viennent utiliser les matériaux, consiste à écouter les collections inégalées de musique et de chansons folkloriques, réalisées en grande partie sur le terrain, en provenance des États-Unis et du monde entier. Les chercheurs viennent écouter et étudier des performances traditionnelles de ballades anglo-américaines ou de blues afro-américain, des chansons de travail et de la musique religieuse. Ils écoutent des chansons de chemin de fer, des chansons de cow-boy, des chansons de mineurs de charbon et des chants marins, ou de la musique amérindienne des tribus de toute l'Amérique du Nord. Ils étudient la musique traditionnelle d'Afrique, d'Amérique centrale et du Sud, du Moyen-Orient, d'Europe, d'Asie du Sud, du Pacifique et d'autres parties du monde.


John Galusha, dit Yankee John, à quatre-vingt-un ans. Minerva, New York, 1940.
(La collection Anne et Frank Warner. Photo de Frank Warner)


Des filles mexicaines chantent pour un enregistrement de la Bibliothèque du Congrès,
San Antonio, Texas, 1934.
(Division des estampes et photographies.
Photo par Alan Lomax)


Wes Noel joue du violon,
Elk Springs, Missouri.
(Collection Vance Randolph.
Photo de Vance Randolph
)


Affiche pour une performance de Jim Garland, à la 13th Avenue Gallery, 1963.
(Collection d'affiches de l'American Folklife Center)


Will Neal joue du violon au camp de travail migratoire d'Arvin, en Californie, vers 1940.
(Collection des travailleurs migrants de Charles L. Todd et Robert Sonkin. Photo de Robert Hemming )


Des musiciens de la tribu Haha, de Tamanar, jouent le bendir (un tambour en forme de tambourin) et le aouada (une flûte à long roseau), tandis que Paul Bowles les enregistre.
Essaouira, Maroc, 8 août 1959.
(Collection de musique marocaine Paul Bowles. Photographe inconnu)


Page manuscrite de Helen Heffron Robert's Round Valley, Californie, cahiers, 1926, contenant des transcriptions de deux chansons de Konkow Burning Ceremony Cry à partir d'enregistrements sur cylindre de cire réalisés par Mme Jim Stevens.
(Collection Helen Heffron Roberts)


Page manuscrite de Helen Heffron Robert's Round Valley, Californie, cahiers, 1926, contenant une transcription d'une chanson Grass Game de la région de Maidu enregistrée par Anna Feliz.
(Collection Helen Heffron Roberts)


L'ethnomusicologue Vida Chenoweth interviewe Taaqiyáa, son principal contributeur de musique et de textes Kaagú Usarufa, Papouasie, Nouvelle-Guinée, 1967.
(Collection Vida Chenoweth. Photographe inconnu )


Les musiciens de fado portugais Duarte Tavares et Olivete Maria Poulart se produisent au restaurant IV Seasons, Lowell, Massachusetts, le 14 novembre 1987.
(Collection du projet Lowell Folklife. Photo de John Lueders-Booth)


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Gottlieb, fraîchement sorti de son doctorat en musicologie, était dans le public quand Alex Hassilev et Glenn Yarbrough sont apparus sur scène pour chanter un duo ensemble. Gottlieb, qui travaillait alors comme arrangeur pour The Kingston Trio, pensait à l'origine que "ces deux gars" pourraient l'aider à faire des démos pour le Trio.

Bientôt, ils ont fait leurs bagages et se sont rendus à Aspen, Colorado, pour travailler dans un club appelé "The Limelite", [2] que Yarbrough et Hassilev avaient acheté après avoir chanté là-bas pendant la saison de ski précédente. [1] Après une courte période de perfectionnement de leur numéro, ils partent pour le « hungry i » à San Francisco, qui était à l'époque le centre névralgique californien du mouvement folklorique contemporain en plein essor. [2] Le propriétaire venait d'avoir un groupe avec trois longs noms enchaînés et n'était pas sur le point de mettre "Yarbrough, Hassilev et Gottlieb" sur le chapiteau. Mais le groupe n'avait pas encore décidé d'un nom. Ils ont choisi "Les Limeliters".

Leur succès fut immédiat. Deux jours seulement après leurs débuts professionnels, le groupe a reçu des offres de trois maisons de disques. Au début des années 1960, ils sortent leur premier album sur Elektra. Peu de temps après, ils ont signé avec RCA Victor et une série d'albums à succès ont suivi.

N'ayant jamais eu de véritable hit record, ils étaient bien connus pour leur répertoire de chansons entraînantes telles que "There's a Meetin' Here Tonight", "City of New Orleans", "A Dollar Down" (leur seul single dans les charts, culminant à #60 en 1961), "Have Some Madeira M'Dear", "Lonesome Traveler", "Wabash Cannonball", "Whiskey in the Jar", et bien d'autres qui sont joués sur leurs plus de 25 albums et dans leurs concerts.

L'album des Limeliters Ce soir : En personne a atteint le numéro 5 sur Billboard en 1961 [1] et a figuré dans les charts américains pendant 74 semaines. La réédition en 1961 de leur premier album Elektra a fait le top 40 et a passé 18 semaines dans les charts. Leur troisième sortie, Les Limeliters légèrement fabuleux, a fait le top dix la même année, [1] en cartographiant pendant 36 semaines. Un autre album avec de l'endurance était l'une des chansons folkloriques pour les enfants de tous âges, À travers les yeux des enfants. Il est resté sur les cartes pendant 29 semaines et a culminé à la 25e place.

Le groupe a maintenu une charge de travail trépidante pendant leur pic de popularité. En plus des nombreux enregistrements, ils ont fait de nombreuses apparitions à la télévision, et leurs apparitions personnelles totalisaient plus de 300 représentations par an. [3] Pendant trois ans, The Limeliters étaient les représentants musicaux de Coca-Cola. Leur interprétation du jingle, "Things Go Better with Coke" est devenue un succès national. Le groupe a également réalisé des travaux commerciaux pour les cigarettes L&M.

En 1963, ils ont chanté plusieurs chansons pour le film McLintock !.

La carrière du groupe a presque pris fin lorsqu'ils ont subi un accident d'avion à Provo, dans l'Utah, lors d'une tournée. [3]

Yarbrough a quitté le groupe en 1963. [1] Gottlieb et Hassilev ont continué les Limeliters mais seulement comme un acte d'enregistrement, recrutant l'ancien ténor des Gateway Singers Ernie Sheldon [3] (r.n. Ernest Lieberman) comme remplaçant de Yarbrough. Sheldon a écrit les paroles de ce qui est devenu le plus grand succès solo de Yarbrough, "Baby the Rain Must Fall". [1]

Lorsque le contrat RCA Victor du trio a expiré en 1965, Gottlieb et Hassilev ont officiellement retiré l'acte. À ce moment-là, Yarbrough était un soliste à succès sur disques et en concert. Hassilev est devenu producteur avec son propre studio d'enregistrement et son usine de pressage, tandis que Gottlieb a dirigé la Morningstar Commune dans un ranch qu'il a acheté près de San Francisco.

Le groupe se reforme brièvement en 1968 pour enregistrer un album pour Warner Bros. Records. [3]

Au cours des années 1970, les Limeliters se sont lancés dans une série de tournées de retrouvailles annuelles avec Yarbrough. Stax Records a sorti un enregistrement de réunion en 1974 [3] et en 1976 le groupe a sorti deux albums de concert sur leurs propres Brass Dolphin Records. Ceux-ci ont connu un tel succès qu'en 1981, Hassilev et Gottlieb ont décidé de reformer le groupe et de revenir dans le courant dominant du divertissement. Avec l'ajout du ténor Red Grammer et de John David [3], ils ont recommencé à jouer.

Après huit années productives, Grammer a quitté le groupe pour poursuivre une carrière solo en tant qu'artiste pour enfants. En 1990, il est remplacé par un autre ténor, Rick Dougherty, dont le vaste bagage musical et la brillante présence scénique apportent une nouvelle dimension au groupe.

La mort de Gottlieb en 1996 a vu son rôle de baryton aigu repris par un ancien membre du Kingston Trio, Bill Zorn.

En 2003, Zorn et Dougherty ont quitté le groupe pour rejoindre le Kingston Trio (jusqu'en 2017) et début 2004, le ténor Mack Bailey et le comédien baryton Andy Corwin ont rejoint le groupe. [3] En 2006, Hassilev a pris sa retraite et a quitté la bande. Peu de temps après, Gaylan Taylor a rejoint en 2006. En 2012, Don Marovich a rejoint les Limeliters - En 2019, il a rejoint le Kingston Trio. [ citation requise ]

Le groupe est en tournée aussi récemment qu'en 2019. [4]

Glenn Yarbrough est décédé des complications d'une démence à Nashville, Tennessee, le 11 août 2016, à l'âge de 86 ans. [5]


Fondé par Randy Sparks en 1961, ce groupe a contribué "Green, Green" en 1963 à partir de leur album Ramblin'. Les membres du groupe changent régulièrement, à peu près à chaque tournée. En 2008, ils étaient environ 300. Ils sont toujours en tournée en 2017.

Odetta Holmes a été surnommée la « Voix du mouvement des droits civiques ». Martin Luther King Jr. l'a un jour couronnée reine de la musique folk américaine. Ses contributions aux années 60 incluent :

  • Cette petite lumière à moi
  • Mule Skinner Blues
  • Il a le monde entier entre ses mains

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Les définitions de la « musique folklorique contemporaine » sont généralement vagues et variables. [3] Ici, on entend par là toute la musique appelée folk qui n'est pas de la musique folklorique traditionnelle, un ensemble de genres qui ont commencé avec puis évolué à partir du renouveau folk du milieu du 20e siècle. Selon Hugh Blumenfeld, pour la scène folk américaine : [4]

  • En général, il s'agit d'une musique anglo-américaine, qui englobe la musique acoustique et/ou traditionnelle du Royaume-Uni et des États-Unis.
  • Musicalement, il est principalement d'Europe occidentale dans ses origines linguistiques, il est principalement basé sur l'anglais. D'autres modes et langages musicaux, à tort ou à raison, ont tendance à être séparés et regroupés sous la « musique du monde », même s'ils sont considérés comme traditionnels dans leurs cultures respectives.
  • Les quelques exceptions à ce modèle proviennent principalement des conditions politiques/historiques prévalant dans le monde anglo-américain et de la démographie des fans de folk : musique celtique, blues, certaines musiques d'Amérique centrale et du Sud, musique amérindienne et klezmer. [4]

C'est l'usage courant du terme « musique folklorique contemporaine », mais ce n'est pas le seul cas d'évolution de nouvelles formes à partir de formes traditionnelles.

La musique country contemporaine descend en fin de compte d'une tradition folklorique rurale américaine, mais a évolué différemment. La musique bluegrass est un développement professionnel de la musique américaine old time, entremêlée de blues et de jazz swing manouche.

Alors que le nationalisme romantique du renouveau folk a eu sa plus grande influence sur l'art-musique, le « deuxième renouveau folk » de la fin du 20e siècle a apporté un nouveau genre de musique populaire avec des artistes commercialisés par le biais de concerts, d'enregistrements et de diffusion. C'est le genre qui reste comme « musique folklorique contemporaine » même lorsque la musique traditionnelle est considérée comme un genre distinct. L'une des premières figures de ce renouveau était Woody Guthrie, qui a chanté des chansons traditionnelles dans les années 1930 et 1940 tout en composant les siennes. Parmi les amis et disciples de Guthrie en tant que collectionneur, interprète et compositeur se trouvait Pete Seeger.

Dans les années 30, Jimmie Rodgers, dans les années 40 Burl Ives, au début des années 50 le groupe de Seeger les Weavers et Harry Belafonte, et à la fin des années 50 le Kingston Trio ainsi que d'autres groupes professionnels et commerciaux sont devenus populaires. Certains qui ont défini la commercialisation comme le début de cette phase considèrent le succès commercial Tom Dooley par le Kingston Trio en 1958 comme marquant le début de cette ère. [3] En 1963-1964, le réseau de télévision ABC a diffusé le Hootenanny série télévisée consacrée à cette marque de musique folklorique et a également publié le magazine associé ABC-TV Hootenanny. À partir de 1950, le Chantez !, Bordée, et La revue Little Sandy les magazines ont contribué à diffuser à la fois des chansons traditionnelles et composées, tout comme les maisons de disques axées sur le renouveau folk.

Au Royaume-Uni, le renouveau folk a encouragé de jeunes artistes comme les Watersons, Martin Carthy et Roy Bailey et une génération d'auteurs-compositeurs-interprètes comme Bert Jansch, Ralph McTell, Donovan et Roy Harper, tous les sept ont atteint leur première notoriété dans les années 1960. Bob Dylan, Paul Simon et Tom Paxton ont visité la Grande-Bretagne pendant un certain temps au début des années 1960, les deux premiers utilisant surtout plus tard le matériel anglais traditionnel qu'ils ont entendu.

En 1950, l'éminent folkloriste américain et collectionneur de chansons traditionnelles Alan Lomax est venu en Grande-Bretagne et a rencontré A. L. 'Bert' Lloyd et Ewan MacColl, une réunion qui a inauguré le deuxième renouveau folk britannique. À Londres, les collègues ont ouvert le Ballads and Blues Club, rebaptisé finalement le Singers' Club, peut-être le premier club folk au Royaume-Uni qu'il a fermé en 1991. Au fur et à mesure que les années 1950 progressaient dans les années 1960, le mouvement de renouveau folk a pris de l'ampleur à la fois en Grande-Bretagne et Amérique.

Dans une grande partie du Canada rural, la musique traditionnelle et country-folk étaient les styles de musique prédominants jusque dans les années 1950, devant même le jazz et le swing mondialement populaires. Le folk traditionnel a pris cette prédominance dans les premières télévisions canadiennes avec de nombreuses émissions à thème country sur ses premières ondes. Tout autour du cercle (1964-1975) a présenté la musique traditionnelle irlandaise et anglaise de Terre-Neuve, par exemple. Mais le plus important d'entre eux était de loin Jubilé de Don Messer (1957-1973), qui a contribué à combler le fossé entre les ruraux et le renouveau folk qui émergeait des cafés urbains et des clubs folkloriques. Le spectacle a aidé à lancer la carrière des chanteurs country-folk Stompin' Tom Connors et Catherine McKinnon.

Le renouveau folk a donné naissance à la première vague folk du Canada d'artistes de renommée internationale tels que Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Ian & Sylvia, Neil Young, Joni Mitchell et Buffy Sainte-Marie. [5] À la même époque, des auteurs-compositeurs-interprètes folk québécois comme Gilles Vigneault et des groupes comme La Bottine Souriante faisaient de même dans la francophonie. Les artistes folkloriques canadiens anglophones ont eu tendance à pousser les États-Unis à viser un public plus large jusqu'à l'introduction de règles dites de « contenu canadien » pour la radio et la télévision dans les années 1970. En même temps, la musique folklorique canadienne s'est formalisée et commercialisée avec la montée des festivals folkloriques spécialisés (à commencer par le Miramichi Folksong Festival en 1958), l'augmentation des ondes radio sur les stations de radio rock, pop et easy listening, l'introduction du Juno Prix ​​de l'artiste folklorique de l'année en 1971, et même une revue académique le Revue canadienne de musique folklorique en 1973. Le milieu et la fin des années 1960 ont vu des formes de fusion de folk (comme le folk rock) atteindre une importance jamais vue auparavant par la musique folk, mais le début des années 1960 a peut-être été le zénith de la proéminence de la musique folk sans fusion sur la scène musicale.

Pendant la Dépression, la musique folk reflétait les réalités sociales de la pauvreté et de l'impuissance des gens ordinaires à travers des paroles vernacularisées exprimant les dures réalités des temps difficiles et de la pauvreté. Souvent, les chansons nouvellement composées dans un style traditionnel par des écrivains comme Guthrie comportaient également un ton humoristique et satirique. La plupart du public de la musique folk à cette époque appartenait à la classe ouvrière, et nombre de ces chansons exprimaient une résistance à l'ordre social et une colère envers le gouvernement. [6]

Grands interprètes de musique folklorique qui ont émergé dans les années 1940, 1950 et au début des années 1960 Modifier

Il s'agit notamment des éléments suivants :

    (1912-1967) était un auteur-compositeur-interprète et musicien folk américain, dont l'héritage musical comprend des centaines de chansons politiques, traditionnelles et pour enfants, des ballades et des œuvres improvisées. [7] Il a souvent joué avec le slogan Cette machine tue les fascistes affiché sur sa guitare. Sa chanson la plus connue est "This Land Is Your Land". Beaucoup de ses chansons enregistrées sont archivées à la Bibliothèque du Congrès. [8] Dans les années 1930, Guthrie a voyagé avec des travailleurs migrants de l'Oklahoma à la Californie tout en apprenant, en réécrivant et en interprétant des chansons folkloriques et de blues traditionnelles en cours de route. De nombreuses chansons qu'il a composées concernaient ses expériences à l'époque du Dust Bowl pendant la Grande Dépression, ce qui lui a valu le surnom de "Dust Bowl Balladeer". [9] Tout au long de sa vie, Guthrie a été associé à des groupes communistes américains, bien qu'il n'ait jamais officiellement rejoint le Parti. [10] Guthrie a engendré le musicien folklorique américain Arlo Guthrie. Au cours de ses dernières années, Guthrie a été une figure de proue du mouvement folk, inspirant une génération de nouveaux musiciens folk, notamment des relations de mentorat avec Ramblin' Jack Elliott et Bob Dylan. Des auteurs-compositeurs tels que Bob Dylan, Phil Ochs, Bruce Springsteen, Pete Seeger, Joe Strummer et Tom Paxton ont reconnu leur dette envers Guthrie comme une influence. Les membres d'Almanac Millard Lampell, Lee Hays, Pete Seeger et Woody Guthrie ont commencé à jouer ensemble de manière informelle en 1940. Les Almanac Singers ont été formés en décembre 1940.[10] Ils ont inventé un style d'exécution dynamique et énergique, basé sur ce qu'ils pensaient être le meilleur de la musique country américaine, en noir et blanc. Ils ont évolué vers une musique d'actualité controversée. Deux des membres réguliers du groupe, Pete Seeger et Lee Hays, devinrent plus tard membres fondateurs de The Weavers. - dans sa jeunesse, Ives a abandonné l'université pour voyager en tant que chanteur itinérant au début des années 1930, gagnant sa vie en faisant des petits boulots et en jouant du banjo et de la guitare. En 1930, il a eu une brève carrière à la radio locale sur la radio WBOW à Terre Haute, Indiana, et dans les années 1940, il avait sa propre émission de radio, intitulée L'étranger voyageur, intitulé d'après l'une des ballades populaires qu'il a chantées. Le spectacle était très populaire, et en 1946 Ives a été choisi comme cow-boy chanteur dans le film Enfumé. Ives a également joué des rôles dans d'autres films populaires. Son premier livre, L'étranger voyageur, a été publié en 1948. [11] avait rencontré et été influencé par de nombreux musiciens folkloriques importants (et auteurs-compositeurs-interprètes aux racines folkloriques), en particulier Woody Guthrie et Lead Belly. [7] Seeger avait des implications dans le mouvement syndical, et il a rencontré Guthrie lors d'un concert de travailleurs migrants "Les raisins de la colère" le 3 mars 1940, et les deux ont ensuite commencé une collaboration musicale (qui comprenait les Almanach Singers) et ont ensuite formé les Weavers . En tant qu'auteur-compositeur, Seeger est l'auteur ou le co-auteur de « Where Have All the Flowers Gone ? », « If I Had a Hammer (The Hammer Song) », (composé avec Lee Hays des Weavers) et « Turn, Turn, Turn !", qui ont tous trois été enregistrés par de nombreux artistes à la fois dans et en dehors du mouvement folk revival et sont toujours chantés dans le monde entier. En 1948, Seeger écrivit la première version de son désormais classique Comment jouer du banjo à cinq cordes, un livre d'instructions que de nombreux joueurs de banjo attribuent aux débutants sur l'instrument. Il a enregistré, chanté et joué pendant plus de soixante-dix ans et est devenu la force la plus puissante du renouveau folk américain après Guthrie. [12]
    (1898-1975), était un compositeur de musique folklorique historique. Ses compositions ont été enregistrées par divers artistes - la musique de Schmertz a été reprise par Pete Seeger, qui a qualifié Schmertz de "très bon auteur-compositeur", [13] Burl Ives, Tennessee Ernie Ford, [13] Bill et Gloria Gaither, The Statler Brothers , The Cathedrals, Dailey & Vincent, le River City Brass Band et Ernie Haase & Signature Sound. [14] ont été formés en 1947 par Pete Seeger, Ronnie Gilbert, Lee Hays et Fred Hellerman. Après avoir fait leurs débuts au Village Vanguard à New York en 1948, ils ont ensuite été découverts par l'arrangeur Gordon Jenkins et ont signé avec Decca Records, publiant une série de singles à succès mais fortement orchestrés. [15] Les associations politiques du groupe à l'époque de la peur rouge les ont forcés à se séparer en 1952, ils se sont reformés en 1955 avec une série de concerts et d'enregistrements d'albums réussis sur Vanguard Records. Un cinquième membre, Erik Darling, siégeait parfois avec le groupe lorsque Seeger n'était pas disponible et remplaça finalement Seeger dans les Weavers lorsque ce dernier démissionna du quatuor dans un différend sur son mercantilisme en général et son accord spécifique pour enregistrer une publicité pour une cigarette. [16] , [7] chanteuse pop, militante. En 1952, il signe un contrat avec RCA Victor. Son album révolutionnaire Calypso (1956) a été le premier LP à vendre plus d'un million d'exemplaires. L'album a passé 31 semaines au numéro un des charts américains. Il a initié le public américain à la musique pop Calypso et Belafonte a été surnommé le "King of Calypso". Belafonte a continué à enregistrer dans de nombreux genres, y compris la pop Calypso, le folk américain, le gospel, etc.
    – En 1959, Belafonte a joué dans Ce soir avec Belafonte une émission télévisée nationale qui a présenté Odetta à ses débuts à un public aux heures de grande écoute. Elle a chanté Garçon de l'eau et a exécuté un duo avec Belafonte de Il y a un trou dans mon seau qui a atteint les charts nationaux en 1961. [17] En 1953, les chanteurs Odetta et Larry Mohr ont enregistré un LP qui a été publié en 1954 sous le titre Odetta et Larry, un album partiellement enregistré en live au bar Tin Angel de San Francisco. Odetta a connu une longue et respectée carrière avec un répertoire de chansons traditionnelles et de blues jusqu'à sa mort en 2009. [17] a été formée en 1957 dans la région de Palo Alto, en Californie, par Bob Shane, Nick Reynolds et Dave Guard, qui venaient de sortir du collège. Ils ont été grandement influencés par les Weavers, les sons calypso de Belafonte et d'autres artistes folk semi-pop tels que les Gateway Singers[7] et les Tarriers. La popularité et les ventes d'albums sans précédent de ce groupe de 1957 à 1963 (dont quatorze top dix et cinq premiers LP sur le Panneau d'affichage charts [18] ) a été un facteur important dans la création d'un public commercial et grand public pour la musique de style folklorique où peu existait avant leur émergence. [19] Le succès du Kingston Trio a été suivi par d'autres actes pop-folk très réussis, tels que les Limeliters.
    est un groupe de musique folk américain, formé en juillet 1959 par Lou Gottlieb (basse), Alex Hassilev (baryton) et Glenn Yarbrough (ténor). [20] Le groupe a été actif de 1959 à 1965, date à laquelle ils se sont dissous. Après une interruption de seize ans, Yarbrough, Hassilev et Gottlieb se sont réunis et ont recommencé à jouer le rôle des Limeliters. Sa carrière a commencé en 1958 à Cambridge, Massachusetts, où à 17 ans elle a donné son premier concert dans un café. Elle a été invitée à se produire au premier Newport Folk Festival en 1959 par la pop star du folk Bob Gibson, [20] après quoi Baez était parfois appelée "la Madone aux pieds nus", gagnant une renommée pour sa voix claire et sa gamme de trois octaves. Elle a enregistré son premier album pour un Vanguard Records l'année suivante - une collection de complaintes et de ballades folkloriques traditionnelles des îles britanniques, accompagnant les chansons à la guitare. Son deuxième album est devenu disque d'or, tout comme ses prochains albums (live). Un disque présentait son interprétation d'une chanson de Bob Dylan, alors inconnu. Au début des années 1960, Baez est devenu l'avant-garde du renouveau de la musique folk américaine. De plus en plus, ses convictions personnelles – paix, justice sociale, lutte contre la pauvreté – se reflètent dans les chansons d'actualité qui constituent une part croissante de son répertoire, au point que Baez devient le symbole de ces préoccupations particulières. a commencé en 1959 et a émergé au début des années 1960. Le groupe a interprété un mélange de chansons traditionnelles arrangées de manière créative et de numéros contemporains qui incluaient fréquemment des connotations satiriques et politiques. étaient un groupe « folk collégial » du début des années 60, originaire de l'université Wesleyan et Panneau d'affichage hit numéro un en 1961 avec "Michael", une version du spiritual afro-américainMichael, ramer le bateau à terre, et un autre hit du Top 20 en 1962 avec "Cottonfields". "Michael" s'est vendu à plus d'un million d'exemplaires et a obtenu un disque d'or. [21][22] est un groupe de musique folk fondé par Randy Sparks en 1961. [23] Ils ont enregistré plus de 20 albums et ont eu plusieurs succès, dont "Green, Green", "Saturday Night", "Today", "Denver" , et "Cette terre est votre terre". Leur premier album de 1962, Présentation des nouveaux Christy Minstrels a remporté un Grammy Award et a siégé au Panneau d'affichage graphiques pendant deux ans. [24] étaient un trio de chant folklorique américain progressif au début des années 1960, mieux connu pour le disque à succès "Walk Right In".
  • The Serendipity Singers était un groupe de neuf membres qui a commencé à l'Université du Colorado et est devenu connu à l'échelle nationale en 1964 pour une approche fortement pop de la musique folk. souvent joué et parfois tourné avec Joan Baez, à partir de quand elle était chanteuse de chansons pour la plupart traditionnelles. Alors que Baez a adopté certaines des chansons de Dylan dans son répertoire et a même présenté Dylan à son public avide, un large public sur le circuit folk, cela a aidé le jeune auteur-compositeur à obtenir une première reconnaissance. Au moment où Dylan a enregistré son premier LP (1962), il avait développé un style rappelant celui de Woody Guthrie. [25] Il a commencé à écrire des chansons qui ont capturé l'ambiance "progressive" sur les campus universitaires et dans les cafés. Bien qu'en 1964, il y ait eu de nombreux nouveaux chanteurs/compositeurs-interprètes guitaristes, on peut soutenir que Dylan est finalement devenu le plus populaire de ces jeunes interprètes de la renaissance de la musique folk. a fait ses débuts au début des années 1960 et était un trio américain qui est finalement devenu l'un des plus grands groupes musicaux des années 1960. Le trio était composé de Peter Yarrow, Paul Stookey et Mary Travers. Ils étaient l'un des principaux porte-flambeaux de la musique folklorique de la musique de commentaire social dans les années 1960. [20] Au fur et à mesure que la décennie passait, leur musique incorporait plus d'éléments de pop et de rock. a fait ses débuts au début des années 1960. Au début, elle a chanté des chansons folkloriques traditionnelles ou des chansons écrites par d'autres - en particulier les auteurs-compositeurs de protestation de l'époque, tels que Tom Paxton, Phil Ochs et Bob Dylan. Elle a également enregistré ses propres versions de chansons importantes de l'époque, telles que "Mr. Tambourine Man" de Dylan, "Turn, Turn, Turn" de Pete Seeger et "Thirsty Boots" d'Eric Andersen. , un groupe australien de musique folk et pop, a été formé en 1962. Ils ont déménagé au Royaume-Uni en 1963 et ont mélangé la musique traditionnelle, la musique folk contemporaine et la pop. Les Seekers ont connu une grande popularité dans le monde anglophone avec des chansons à succès comme "I Know I'll Never Find Another You", "A World Of Our Own" et "Georgy Girl".
  • Le duo canadien de Ian Tyson et Sylvia Fricker, jouant sous le nom de Ian & Sylvia, a sorti son premier album en 1963. Le duo présentait un mélange créatif de chansons folkloriques traditionnelles américaines et canadiennes en anglais et en français ainsi que des compositions d'auteurs-compositeurs-interprètes contemporains de Dylan et Paxton, et des morceaux qu'ils ont eux-mêmes composés comme "Four Strong Winds" et "Someday Soon" de Tyson et "You Were On My Mind" de Fricker. , Neil Young a commencé sa carrière dans les années 1960. Avec Dewey Martin, ils ont formé Buffalo Springfield. Un mélange de folk, de country, de psychédélisme et de rock, prêté par les deux guitares solo de Stills et Young, a fait de Buffalo Springfield un succès critique, et leur premier disque Buffalo Springfield (1966) s'est bien vendu après que la chanson d'actualité de Stills "For What It's Worth" soit devenue un succès, aidé par les harmoniques mélodiques de Young jouées à la guitare électrique.

Du milieu des années 1960 au début des années 1970 Modifier

Les grands changements musicaux, politiques, de style de vie et de contre-culture les plus associés aux « années 60 » se sont produits au cours de la seconde moitié de la décennie et de la première ou des deux premières années des années 70. La musique folklorique a connu une évolution rapide, une expansion et une diversification connexes en même temps. Des changements majeurs se sont produits à travers l'évolution d'artistes établis tels que Bob Dylan, Joan Baez, Judy Collins, the Seekers et Peter Paul and Mary, et aussi à travers la création de nouveaux genres de fusion avec le rock et la pop. Une grande partie de cette évolution a commencé au début des années 1960 et a pris de l'importance au milieu et à la fin des années 1960. Une performance "creuset" pour cette évolution était Greenwich Village New York. L'utilisation d'instruments électriques par Dylan a permis d'inaugurer les genres du folk rock et du country rock, notamment par son album John Wesley Harding. [26] [27]

Ces changements représentaient un nouveau départ par rapport à la musique folklorique traditionnelle. The Byrds avec des tubes tels que "Turn! Turn! Turn!" de Seeger. étaient emblématiques d'un nouveau terme folk rock. Barry McGuire a quitté les New Christy Minstrels et a enregistré "Eve of Destruction" en 1965. dans les discussions sur le folk rock. [26] [29]

Au cours de cette période, le terme "musique de protestation" était souvent utilisé pour caractériser la musique folklorique avec des thèmes politiques d'actualité. La convergence du mouvement des droits civiques et de la musique folklorique sur le campus universitaire a conduit à la popularité d'artistes comme Bob Dylan et sa marque de musique de protestation. [30] Alors que des chanteurs et des auteurs-compositeurs folk tels que Phil Ochs, Buffy Sainte-Marie, Arlo Guthrie et Tom Paxton ont suivi les traces de Woody Guthrie, en écrivant de la « musique de protestation » et des chansons d'actualité et en exprimant leur soutien à diverses causes, dont l'American Civil Rights Movement et causes anti-guerre liées à la guerre du Vietnam. [31] Des chansons comme "Blowin' in the Wind" de Dylan sont devenues un hymne pour le mouvement des droits civiques, et il a chanté des ballades sur de nombreux autres problèmes actuels de l'époque, tels que "Hard Rain's Gonna Fall" sur la crise des missiles cubains. Dylan aurait déclaré qu'"il y a d'autres choses dans ce monde que l'amour et le sexe qui sont aussi importantes". [30] Un certain nombre d'interprètes qui avaient commencé leur carrière en chantant du matériel en grande partie traditionnel, comme en témoignent Joan Baez et Judy Collins, ont commencé à écrire leur propre matériel.

Les interprètes canadiens Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Bruce Cockburn et Joni Mitchell représentaient de telles fusions et jouissaient d'une grande popularité aux États-Unis. Tous les quatre ont finalement été décorés de l'Ordre du Canada. La plupart des groupes d'acid rock de San Francisco ont commencé par jouer du folk acoustique et du blues. Les émissions de télévision Smothers Brothers présentaient de nombreux artistes folkloriques, dont Pete Seeger, anciennement inscrit sur la liste noire. [32]

Bonnie Koloc est une auteure-compositrice-interprète de musique folk américaine basée à Chicago qui a fait ses débuts en enregistrement en 1971. En 1968, Melanie a sorti son premier album en 1968 avec plusieurs chansons populaires avec un mélange folk/pop.

Le milieu et la fin des années 60 ont vu le développement du folk rock britannique, avec un accent sur les chansons indigènes (européennes et, emblématiquement, anglaises). Un moment clé du folk rock britannique a été la sortie de l'album de Fairport Convention Liège et Lief. Le guitariste Richard Thompson a déclaré que la musique du groupe exigeait un style "English Electric" correspondant, tandis que le bassiste Ashley Hutchings a formé Steeleye Span pour poursuivre un répertoire plus traditionnel interprété dans le style folk rock. Après son propre départ du groupe, Thompson et sa femme Linda ont sorti six albums en duo intégrant folk rock et art rock. Fairport Convention, Pentangle, Alan Stivell et le travail de M. Fox comprenaient la lectrification des formes musicales traditionnelles.

À partir des années 1970, la musique folk a été alimentée par de nouveaux auteurs-compositeurs-interprètes tels que Steve Goodman, John Prine, Emmylou Harris, Joni Mitchell, John Denver, Harry Chapin et bien d'autres. Dans les îles britanniques, les Pogues au début des années 80 et les Irlandais The Corrs dans les années 90 ont ramené des airs traditionnels dans les charts. Les Corrs ont été actifs de 1990 à 2006 et ont joué de la musique celtique et pop, et ont créé un mélange des deux. Carrie Newcomer a émergé avec Stone Soup en 1984 et se produit individuellement depuis 1991. Brandi Carlile et Patty Griffin sont des artistes folkloriques de premier plan vers 2019.

Dans les années 1980, les Washington Squares jouaient de la musique folk « throwback ». Suzanne Vega a interprété de la musique folk et protestataire orientée vers le folk. [33] Les Knitters ont promulgué le cowpunk ou le punk folk, qui a finalement évolué en country alternatif. Plus récemment, le même esprit a été adopté et développé par des artistes tels que Miranda Stone et Steve Earle.

Dans la seconde moitié des années 1990, une fois de plus, la musique folk a eu un impact sur la musique mainstream via une jeune génération d'artistes comme Eliza Carthy, Kate Rusby et Spires and Boden. Le groupe folklorique le plus vendu au Canada dans les années 1990 et 2000 était le groupe celtique Great Big Sea de Terre-Neuve, qui a eu quatre albums certifiés platine au Canada.

Des groupes de folk metal tels que Korpiklaani, Skyclad, Waylander, Ensiferum, Ithilien et Finntroll mélangent des éléments d'une grande variété de traditions, y compris dans de nombreux cas des instruments tels que des violons, des sifflets, des accordéons et des cornemuses. Le folk metal privilégie souvent les thèmes d'inspiration païenne.

Le métal viking est défini dans sa position folklorique, incorporant des intermèdes folkloriques dans des albums (par exemple, Bergtatt et Kveldssanger, les deux premiers albums du groupe autrefois folklorique, maintenant expérimental, Ulver). Mumford & Sons, un groupe folk rock et indie folk, a été formé en 2007 et s'est fait connaître en 2010. Shenandoah Run s'est formé en 2011 pour apporter la musique folk américaine contemporaine des années 1960 aux auditeurs modernes. [34]

Sous-genres de spécialité Modifier

La musique filk peut être considérée comme de la musique folk d'un point de vue stylistique et culturel (bien que la « communauté » dont elle est issue, le fandom de science-fiction, soit inhabituelle et tout à fait moderne). [35] Neofolk a commencé dans les années 1980, fusionnant la musique folklorique européenne traditionnelle avec la musique post-industrielle, les sujets historiques, le commentaire philosophique, les chansons traditionnelles et le paganisme. Le genre est largement européen mais il influence également d'autres régions. La musique folklorique païenne est prédominante en Allemagne, au Royaume-Uni, dans les pays scandinaves et slaves avec des chanteurs comme David Smith (Aka Damh le barde) et des groupes comme Danheim, Faun, Omnia, Wardruna et Arkona. La plupart des groupes rejoignent le genre folk avec d'autres genres musicaux comme le métal ou l'électronique. [36]

L'anti folk a commencé à New York dans les années 1980. Le folk punk, connu à ses débuts sous le nom de voyou folk, est une fusion de musique folk et de punk rock. Il a été lancé par le groupe irlandais basé à Londres, les Pogues, dans les années 1980. La musique folklorique industrielle est une caractérisation de la musique folklorique normalement désignée sous d'autres genres, et couvre la musique d'environnements et de sujets industriels, y compris la musique de protestation associée.

Musique folk électronique Modifier

Musique mélangeant des éléments de musique folk et électronique, ou "folktronica", [37] (ou "electronica ethnique") qui présente des utilisations d'instruments acoustiques avec des influences et un choix de sons variables. [37] [38] [ vérification nécessaire ] Le compagnon de recherche Ashgate pour la musicologie populaire décrit folktronica comme "un [terme] fourre-tout pour toutes sortes d'artistes qui ont combiné des rythmes de danse mécaniques avec des éléments de rock acoustique ou de folk." [39]

L'album de 1993 Chaque homme et femme est une star par Ultramarine est crédité comme un ancêtre de la nouvelle musique, il présentait un son pastoral et incorporait des instruments traditionnels tels que le violon et l'harmonica avec des éléments techno et house. [40] Selon L'encyclopédie de la musique moderne du Sunday Times Culture, les albums incontournables du genre sont Four Tet's Pause (2001), Tunng La fille de la mère et autres chansons (2005), et Caribou's Le lait de la bonté humaine (2005). [41]

Des actes folk électroniques plus influencés par le "worldbeat" incluent Bryn Jones avec son projet Muslimgauze (avant sa mort en 1999), les artistes du mouvement underground asiatique (Cheb i Sabbah, Asian Dub Foundation, Joi, State of Bengal, Transglobal Underground, Natacha Atlas) , Shpongle, Home Sweet Somewhere, Mavka (groupe ukrainien), Ott, Zavoloka, Linda George, Banco de Gaia, AeTopus, Zingaia, Afro-Celt Sound System, Métisse, A Tribe Called Red, premières œuvres de Yat-Kha (avec Ivan Sokolovsky [42] ).

Country folk Modifier

Country folk en tant que label de genre est plutôt nébuleux, mais qui a été souvent utilisé au moins depuis le milieu des années 1970.Pour les passionnés dévoués, la catégorie comprend en grande partie les œuvres d'auteurs-compositeurs-interprètes contemplatifs post-Dylan, qui ont été influencés par ses sons country rock et ceux d'autres artistes de la fin des années 1960 et 1970, mais qui, enregistrant un peu plus tard, ont préféré un son plus doux, plus un son à dominance acoustique qui a permis de se concentrer sur les paroles. L'élément significatif qui distingue le « country folk » de la musique « folk » sur les enregistrements des contemporains de Dylan dans les années 1960 a été la réadmission de l'instrumentation de musique country et bluegrass - mandoline, banjo, violon et guitares résonantes et électriques en acier - dans le mélanger le succès du country rock avec un public urbain avait ouvert la voie à cet hybride. Pour les aficionados, considérer la country folk comme un sous-genre de la country est inexact, car il ne s'adresse pas à un public de musique country, en général.

Certains des artistes country folk les plus marquants des premières années incluent John Prine, Kate Wolf et Nanci Griffith, tous des auteurs-compositeurs-interprètes aux paroles réfléchies dont les arrangements sont soutenus par les instruments susmentionnés. Dans les années 1980, des maisons de disques telles que Rounder et Sugar Hill se sont spécialisées dans l'enregistrement d'artistes country folk

La catégorie chevauche les trajectoires post-country rock d'autres artistes qui se sont éloignés du marché grand public alors que la fortune du country rock diminuait à la fin des années 1970. Emmylou Harris a déménagé dans un pays néo-traditionaliste, Chris Hillman dans le bluegrass progressif, le duo d'harmonie entre frères (avec Herb Pedersen) et le renouveau de Bakersfield. Au début des années 1990, ces sons, ainsi que d'autres, inspireraient des amalgames musicaux classés comme musique country alternative et americana, mais le « country folk » continue d'être utilisé pour les sons plus doux de chanteuses telles que Iris DeMent et Gillian Welch.

Même dans les années 1970, alors que les sons acoustiques infléchis par la musique country de la country folk la distinguaient des autres styles de musique d'auteurs-compositeurs-interprètes postérieurs aux années 1960, il y avait des degrés divers de chevauchement avec les sons de la musique country progressive (comme Kris Kristofferson, Townes Van Zandt, Guy Clark), du country hors-la-loi (Billy Joe Shaver, Waylon Jennings, Willie Nelson, Johnny Cash), du bluegrass progressif (albums de Tony Rice Cold on the Shoulder et Native American) et d'autres enregistrements country rock ( celui de Tom Rush Tom Rush et Comté de Merrimack et le catalogue des années 1970 de Gordon Lightfoot et Jimmy Buffett). Cependant, aucun d'entre eux n'a été spécifiquement commercialisé ou reçu comme « gens de la campagne ». Pourtant, les enregistrements ultérieurs discrets et à dominance acoustique de ces artistes et de nombreux autres artistes antérieurs ont parfois été définis de manière lâche, mais pas inexacte, comme du country folk par certaines sources.

Plus récemment, la majorité des artistes dont la musique pourrait être classée comme country folk trouvent leur place dans le genre americana, notamment Brandi Carlile, Jason Isbell, Parker Millsap, Patty Griffin et Amanda Shires, plusieurs artistes étant décrits de manière interchangeable comme folk et americana. artistes, notamment Sarah Jarosz qui a reçu des Grammy Awards dans les deux catégories de genre.

En Europe, le terme "folk" est utilisé uniquement pour un genre moderne particulier (le folk traditionnel est appelé folklore ou musique nationale).

La musique folklorique tchèque est influencée par la musique traditionnelle tchèque et les auteurs-compositeurs, la musique "tramping", ainsi que par la musique country de langue anglaise et la musique folk contemporaine, les spirituals et les traditionnels, le bluegrass, la chanson, etc. Dans la seconde moitié du 20e siècle, tous les genres similaires coexistaient comme un multigenre contestataire, contrairement à la musique pop officielle, à la musique rock etc. Depuis 1967, le festival "Porta" est devenu le centre de ce genre, défini à l'origine comme un festival de country & western & tramping musique. Les guitares acoustiques étaient l'instrument le plus typique pour eux tous.


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Les premières années Modifier

Le renouveau folk à New York était enraciné dans l'intérêt renaissant pour la danse carrée et la danse folklorique là-bas dans les années 1940, tels qu'épousés par des instructeurs tels que Margot Mayo, qui ont donné à des musiciens tels que Pete Seeger une exposition populaire. [2] [3] [4] Le renouveau folk plus généralement en tant que phénomène populaire et commercial commence avec la carrière de The Weavers, formé en novembre 1948 par Pete Seeger, Lee Hays, Fred Hellerman et Ronnie Gilbert de People's Songs, de dont Seeger avait été président et secrétaire exécutif de Hays. People's Songs, qui a été dissous en 1948-1949, avait été un centre d'échange pour les chansons du mouvement syndical (et en particulier, le CIO, qui à l'époque était l'un des rares sinon le seul syndicat à être racialement intégré), et en 1948 avait consacré toutes ses ressources à la campagne présidentielle ratée du candidat du Parti progressiste Henry Wallace, un passionné de musique folk (son colistier était un chanteur-guitariste de musique country). Hays et Seeger avaient autrefois chanté ensemble en tant qu'activiste politique Almanac Singers, un groupe qu'ils ont fondé en 1941 et dont le personnel comprenait souvent Woody Guthrie, Josh White, Lead Belly, Cisco Houston et Bess Lomax Hawes. Les Weavers ont connu un grand succès en 1950 avec le single de Lead Belly "Goodnight, Irene". Il a été numéro un des charts Billboard pendant treize semaines. [5] Sur son revers était "Tzena, Tzena, Tzena", une chanson de danse israélienne qui a atteint en même temps le numéro deux sur les charts. Cela a été suivi par une série de singles à succès de Weaver qui se sont vendus à des millions, dont "" So Long It's Been Good to Know You " (" Dusty Old Dust ") (de Woody Guthrie) et " Kisses Sweeter Than Wine ". a pris fin brusquement quand ils ont été retirés du catalogue de Decca parce que Pete Seeger avait été répertorié dans la publication Red Channels comme un subversif probable. Les stations de radio ont refusé de jouer leurs disques et les salles de concert ont annulé leurs engagements. Un ancien employé de People's Songs, Harvey Matusow, lui-même un ancien membre du Parti communiste, avait informé le FBI que les tisserands étaient également des communistes, bien que Matusow se soit rétracté plus tard et ait admis qu'il avait menti.Pete Seeger et Lee Hays ont été appelés à témoigner devant le comité des activités anti-américaines de la Chambre en 1955. Malgré cela , un concert de réunion de Noël Weaver organisé par Harold Leventhal en 1955 a été un succès retentissant et l'album Vanguard LP de ce concert, publié en 1957, a été l'un des meilleurs vendeurs de cette année, suivi par d'autres s albums à succès.

La musique folk, qui portait souvent la stigmatisation des associations de gauche au cours de la Red Scare des années 1950, a été propulsée dans la clandestinité et portée par une poignée d'artistes sortant des disques. Interdits aux points de vente traditionnels, des artistes comme Seeger étaient limités à se produire dans les écoles et les camps d'été, et la scène de la musique folk est devenue un phénomène associé à un bohème vaguement rebelle dans des endroits comme New York (en particulier Greenwich Village), North Beach et à l'université. et les quartiers universitaires de villes comme Chicago, Boston, Denver et ailleurs.

Ron Eyerman et Scott Baretta spéculent que :

[I]l est intéressant de considérer que sans les sympathies politiques explicites des tisserands et autres chanteurs folkloriques ou, une autre façon de voir, l'anticommunisme hystérique de la guerre froide, la musique folk aurait très probablement est entré dans la culture américaine dominante avec une force encore plus grande au début des années 1950, rendant peut-être la deuxième vague du renouveau près d'une décennie plus tard [c'est-à-dire dans les années 1960] superflue. [6]

Le black-out médiatique des artistes ayant des sympathies ou des liens communistes présumés était si efficace qu'Israël Young, un chroniqueur du Folk Revival des années 60, et a été attiré dans le mouvement par un intérêt pour la danse folklorique, a communiqué à Ron Eyerman qu'il n'était pas au courant pour beaucoup. années des années 30 et du début des années 40 du mouvement dans l'activisme politique de gauche. [7]

Au début et au milieu des années 1950, les chansons folkloriques accompagnées de guitare acoustique étaient principalement entendues dans les cafés, les soirées privées, les concerts en plein air et les chants, les hootenannies et les concerts sur les campus universitaires. Souvent associée à la dissidence politique, la musique folk maintenant mélangée, dans une certaine mesure, avec la scène dite beatnik et des chanteurs dévoués de chansons folkloriques (ainsi que du matériel original influencé par le folk) a parcouru ce qu'on appelait "le circuit des cafés". à travers les États-Unis et le Canada, qui abrite également du jazz cool et des récitations de poésie beatnik très personnelle. Odetta et Harry Belafonte, deux chanteurs des années 1950 qui ont chanté du folk mais qui sont passés dans le grand public, ont tous deux chanté du Lead Belly et du Josh White. Odetta, qui avait suivi une formation de chanteuse d'opéra, a interprété du blues traditionnel, des spirituals et des chansons de Lead Belly. Belafonte a eu des succès avec du calypso jamaïcain ainsi que la ballade sentimentale ressemblant à une chanson folklorique "Scarlet Ribbons" (composée en 1949).

Le renouveau à son apogée Modifier

Le Kingston Trio, un groupe originaire de la côte ouest, s'est directement inspiré des tisserands dans leur style et leur présentation et a repris une partie du matériel des tisserands, qui était principalement traditionnel. Le Kingston Trio évitait les chansons ouvertement politiques ou de protestation et cultivait une personnalité propre et collégiale. Ils ont été découverts alors qu'ils jouaient dans un club universitaire appelé le Cracked Pot par Frank Werber, qui est devenu leur manager et leur a obtenu un accord avec Capitol Records. Leur premier succès était une interprétation accrocheuse d'une ballade de meurtre folk à l'ancienne, "Tom Dooley", qui avait été chantée lors du concert funéraire de Lead Belly. Celui-ci est devenu disque d'or en 1958 et s'est vendu à plus de trois millions d'exemplaires. Le succès de l'album et du single a valu au Kingston Trio un Grammy Award pour la meilleure performance country et western lors de la cérémonie d'inauguration des prix en 1959. À l'époque, aucune catégorie de musique folk n'existait dans le programme des Grammy. L'année suivante, en grande partie à cause de Le trio de Kingston album et "Tom Dooley", [8] l'Académie nationale des arts et des sciences de l'enregistrement a institué une catégorie folk et le trio a remporté le premier Grammy Award du meilleur enregistrement folklorique ethnique ou traditionnel pour son deuxième album studio En général. À un moment donné, le Kingston Trio avait quatre disques en même temps parmi les 10 albums les plus vendus pendant cinq semaines consécutives en novembre et décembre 1959 selon Panneau d'affichage le palmarès des "Top LPs" du magazine, un record inégalé depuis plus de 50 ans [9] [10] [11] [12] [13] [14] et noté à l'époque par une couverture dans La vie magazine. L'énorme succès commercial du Kingston Trio, dont les enregistrements entre 1958 et 1961 ont rapporté plus de 25 millions de dollars pour Capitol records [15] ou environ 220 millions de dollars en dollars de 2021, [16] a engendré une multitude de groupes similaires à certains égards comme le Brothers Four, Peter, Paul and Mary, The Limeliters, The Chad Mitchell Trio, The New Christy Minstrels, et plus encore. Comme l'a noté le critique Bruce Eder dans le Tout le guide de la musique, la popularité de la version commercialisée de la musique folk représentée par ces groupes a encouragé les maisons de disques à signer, enregistrer et promouvoir des artistes aux sensibilités plus traditionalistes et politiques. [17]

La popularité du Kingston Trio sera suivie de celle de Joan Baez, dont le premier album Joan Baez, a atteint le top dix à la fin des années 1960 et est resté dans les charts Billboard pendant plus de deux ans. Les premiers albums de Baez contenaient principalement du matériel traditionnel tel que la ballade écossaise, "Mary Hamilton", ainsi que de nombreuses reprises de ballades mélancoliques qui étaient apparues dans la chanson de Harry Smith. Anthologie de la musique folk américaine, comme "The Wagoner's Lad" et "The Butcher Boy". Elle n'a cependant pas essayé d'imiter le style de chant de son matériau source, mais a utilisé une soprano riche avec vibrato. Sa popularité (et celle du renouveau folk lui-même) placerait Baez sur la couverture de Temps magazine en novembre 1962. Baez, contrairement au Kingston Trio, était ouvertement politique et, alors que le mouvement des droits civiques prenait de l'ampleur, s'aligna sur Pete Seeger, Guthrie et d'autres. Elle était l'une des chanteuses, avec Seeger, Josh White, Peter, Paul et Mary et Bob Dylan, qui sont apparus à la marche de Martin Luther King en 1963 à Washington et ont chanté "We Shall Overcome", une chanson qui avait été introduite par People's Songs. . Harry Belafonte était également présent à cette occasion, aux côtés d'Odetta, que Martin Luther King a présenté comme "la reine de la musique folk", lorsqu'elle a chanté "Oh, Freedom" (Odetta chante des chansons folkloriques était l'un des albums folk les plus vendus en 1963). Étaient également présents les SNCC Freedom Singers, dont le personnel a ensuite formé Sweet Honey in the Rock.

Le rôle essentiel joué par Freedom Songs dans les campagnes d'inscription des électeurs, les manèges pour la liberté et les sit-in au comptoir du déjeuner pendant le mouvement des droits civiques de la fin des années 50 et du début des années 60 dans le Sud, a donné à la musique folk une visibilité et un prestige énormes. [18] Le mouvement pour la paix a également été dynamisé par la montée de la campagne pour le désarmement nucléaire au Royaume-Uni, pour protester contre les essais britanniques de la bombe H en 1958, ainsi que par la course aux armements toujours croissante et la guerre du Vietnam de plus en plus impopulaire. . Le jeune auteur-compositeur-interprète Bob Dylan, jouant de la guitare acoustique et de l'harmonica, avait été signé et enregistré pour Columbia par le producteur John Hammond en 1961. Le disque de Dylan jouissait d'une certaine popularité parmi les amateurs de musique folk de Greenwich Village, mais il fut "découvert" par un plus grand public lorsqu'un groupe de musique pop-folk, Peter, Paul & Mary a eu un succès avec une reprise de sa chanson "Blowin' in the Wind". Peter, Paul & Mary ont également présenté "If I Had a Hammer" de Pete Seeger et des Weavers à un public national, ainsi que des reprises de chansons d'autres artistes tels que Dylan et John Denver.

Il ne fallut pas longtemps avant que la catégorie de la musique folklorique en soit venue à inclure moins de matériel traditionnel et des créations plus personnelles et poétiques d'interprètes individuels, qui se sont appelés «auteurs-compositeurs-interprètes». À la suite du succès financier d'artistes folkloriques commerciaux de premier plan, les maisons de disques ont commencé à produire et à distribuer des disques d'une nouvelle génération d'auteurs-compositeurs-interprètes et de chanteurs folk revival : Phil Ochs, Tom Paxton, Eric von Schmidt, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Judy Collins, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Billy Ed Wheeler, John Denver, Arlo Guthrie, Harry Chapin, John Hartford et d'autres, parmi eux. Une partie de cette vague avait émergé des traditions familiales de chant et de jeu, et d'autres non. Ces chanteurs se targuaient souvent d'interpréter du matériel traditionnel en imitant le style des chanteurs sources qu'ils avaient découverts, fréquemment en écoutant la célèbre compilation LP de Harry Smith d'enregistrements commerciaux oubliés ou obscurs 78 tours " race " et " hillbilly " des années 1920 et 30s, la Folkways Anthology of American Folk Music (1951). Un certain nombre d'artistes qui avaient fait ces anciens enregistrements étaient encore bien vivants et avaient été « redécouverts » et amenés aux festivals folk de 1963 et 64 de Newport. L'un d'entre eux, Clarence Ashley, par exemple, a fait découvrir aux revivalistes folkloriques la musique d'amis à lui qui jouaient encore activement de la musique traditionnelle, comme Doc Watson et The Stanley Brothers.

Archivistes, collectionneurs et enregistrements réédités Modifier

Au cours des années 1950, la foule croissante de musique folklorique qui s'était développée aux États-Unis a commencé à acheter des disques de musiciens traditionnels plus âgés des collines du sud-est et des centres-villes urbains. De nouvelles compilations LP d'enregistrements commerciaux de courses de 78 tours et de studios de hillbilly remontant aux années 1920 et 1930 ont été publiées par de grandes maisons de disques. Le marché en expansion des disques LP a augmenté la disponibilité des enregistrements de terrain de musique folk à l'origine réalisés par John et Alan Lomax, Kenneth S. Goldstein et d'autres collectionneurs pendant l'ère du New Deal des années 30 et 40. De petites maisons de disques, telles que Yazoo Records, ont grandi pour distribuer des enregistrements plus anciens réédités et pour faire de nouveaux enregistrements des survivants parmi ces artistes. C'est ainsi que le public américain blanc urbain des années 50 et 60 a entendu pour la première fois du country blues et en particulier du delta blues qui avait été enregistré par des artistes folkloriques du Mississippi 30 ou 40 ans auparavant.

En 1952, Folkways Records a publié le Anthologie de la musique folk américaine, compilé par l'anthropologue et cinéaste expérimental Harry Smith. Les Anthologie comportait 84 chansons d'artistes traditionnels de country et de blues, initialement enregistrées entre 1927 et 1932, et a été crédité d'avoir rendu une grande quantité de matériel d'avant-guerre accessible aux jeunes musiciens. (Les Anthologie a été réédité sur CD en 1997, et Smith a reçu tardivement un Grammy Award pour sa réalisation en 1991.) [19]

Des artistes comme la Carter Family, Robert Johnson, Blind Lemon Jefferson, Clarence Ashley, Buell Kazee, Oncle Dave Macon, Mississippi John Hurt et les Stanley Brothers, ainsi que Jimmie Rodgers, le révérend Gary Davis et Bill Monroe sont venus pour avoir quelque chose plus qu'une réputation régionale ou ethnique. Le renouveau a révélé une richesse et une diversité de musique extraordinaires et l'a diffusé à travers des émissions de radio et des magasins de disques.

Des représentants vivants de certaines des traditions régionales et ethniques variées, y compris des artistes plus jeunes comme le chanteur traditionnel du Sud Jean Ritchie, qui avait commencé à enregistrer dans les années 1940, ont également connu un regain de popularité grâce à la découverte croissante de cette musique par les passionnés et sont apparus régulièrement à fêtes folkloriques.

Musique folklorique ethnique Modifier

La musique folklorique ethnique d'autres pays a également connu un essor lors de la renaissance du folklore américain. Les artistes ethniques les plus réussis du renouveau étaient les chanteurs folk de Greenwich Village, The Clancy Brothers et Tommy Makem, qui Panneau d'affichage magazine classé comme le onzième musicien folklorique le plus vendu aux États-Unis. [20] Le groupe, qui se composait de Paddy Clancy, Tom Clancy, Liam Clancy et Tommy Makem, chantait principalement des chansons folkloriques irlandaises de langue anglaise, ainsi qu'une chanson occasionnelle en gaélique irlandais. Paddy Clancy a également lancé et dirigé le label de musique folk Tradition Records, qui a produit le premier LP solo d'Odetta et a initialement fait connaître Carolyn Hester à l'échelle nationale. [21] Pete Seeger a joué du banjo sur leur album nominé aux Grammy en 1961, Un enregistrement de performance spontané, [22] [23] et Bob Dylan ont cité plus tard le groupe comme une influence majeure sur lui. [24] Les frères Clancy et Tommy Makem ont également déclenché un boom de la musique folklorique en Irlande au milieu des années 1960, illustrant les effets mondiaux du renouveau de la musique folklorique américaine. [25] [26] [27] [28] [29]

Des livres tels que le best-seller populaire, le Livre de chansons folkloriques au coin du feu (1947), qui a contribué au renouveau de la chanson folklorique, a présenté du matériel dans des langues autres que l'anglais, notamment l'allemand, l'espagnol, l'italien, le français, le yiddish et le russe.Les répertoires de Theodore Bikel, Marais et Miranda, et de Martha Schlamme comprenaient également du matériel hébreu et juif, ainsi que de l'afrikaans. Le premier grand succès des Weavers, le revers de "Good Night Irene" de Lead Belly, et un best-seller à part entière, était en hébreu ("Tzena, Tzena, Tzena") et eux, et plus tard Joan Baez, qui était de Descendance espagnole, incluaient parfois du matériel en espagnol dans leurs répertoires, ainsi que des chansons d'Afrique, d'Inde et d'ailleurs.

Le renouveau de la musique folk à vocation commerciale, tel qu'il existait dans les cafés, les salles de concert, la radio et la télévision, était principalement un phénomène de langue anglaise, bien que de nombreux groupes pop-folk majeurs, tels que le Kingston Trio, Peter, Paul et Mary , The Chad Mitchell Trio, The Limeliters, The Brothers Four, The Highwaymen et d'autres, ont présenté des chansons en espagnol (souvent du Mexique), en langues polynésiennes, en russe, en français et dans d'autres langues dans leurs enregistrements et leurs performances. Ces groupes ont également chanté de nombreuses chansons en anglais d'origine étrangère.

Le rock subsume le folk Modifier

L'invasion britannique du milieu des années 1960 a contribué à mettre fin à la popularité dominante de la musique folk américaine alors qu'une vague de groupes britanniques a submergé la majeure partie de la scène musicale américaine, y compris le folk. Ironiquement, les racines de l'invasion britannique étaient dans le folk américain, en particulier une variante connue sous le nom de skiffle popularisée par Lonnie Donegan. Cependant, la plupart des groupes de l'invasion britannique avaient été largement influencés par le rock and roll au moment où leur musique avait atteint les États-Unis. et ressemblait peu à ses origines folkloriques.

Après que Bob Dylan ait commencé à enregistrer avec une section rythmique rock et des instruments électriques en 1965 (voir Controverse électrique Dylan), de nombreux autres artistes folkloriques encore jeunes ont emboîté le pas. Pendant ce temps, des groupes comme The Lovin' Spoonful and the Byrds, dont les membres individuels avaient souvent une formation dans la scène des cafés du renouveau folk, obtenaient des contrats d'enregistrement avec de la musique aux teintes folkloriques jouées avec un groupe de rock. Peu de temps après, l'appétit du public pour la musique plus acoustique du renouveau folk a commencé à faiblir.

Des hits « croisés » (« chansons folkloriques » qui sont devenues des incontournables de la musique rock) se sont produits de temps en temps. Un exemple bien connu est la chanson "Hey Joe", protégée par le droit d'auteur de l'artiste folk Billy Roberts, et enregistrée par le chanteur/guitariste de rock Jimi Hendrix juste au moment où il était sur le point de devenir une star en 1967. L'hymne "Woodstock", qui a été écrit et chantée pour la première fois par Joni Mitchell alors que ses disques étaient encore presque entièrement acoustiques et alors qu'elle était qualifiée de "chanteuse folk", est devenue un single à succès pour Crosby, Stills, Nash & Young lorsque le groupe a enregistré une version rock complète.

Héritage Modifier

À la fin des années 1960, la scène était redevenue un phénomène plus discret et aficionado, bien que d'importants festivals annuels de musique acoustique aient été établis dans de nombreuses régions d'Amérique du Nord au cours de cette période. La scène des cafés de musique acoustique a survécu à une échelle réduite. À travers les jeunes auteurs-compositeurs-interprètes brillants des années 1960, le renouveau de la musique folk américaine a influencé l'écriture de chansons et les styles musicaux à travers le monde.


Bob Shane, le dernier du trio original de Kingston, décède à 85 ans

Le groupe a été le fer de lance d'un renouveau folk à succès commercial à la fin des années 50 et au début des années 60, avec M. Shane qui chantait la plupart du temps.

Bob Shane, le dernier membre original survivant du Kingston Trio, dont les harmonies étroites et douces ont aidé à transformer la musique folk d'un genre de niche poussiéreux en une marque dominante de musique pop dans les années 50 et 60, est décédé dimanche à Phoenix. Il avait 85 ans.

Craig Hankenson, son agent de longue date, a confirmé le décès dans un hospice.

M. Shane, dont le whisky baryton était la voix la plus identifiable du groupe sur des tubes comme "Tom Dooley" et "Scotch and Soda", a chanté le plomb sur plus de 80% des chansons du Kingston Trio.

Il n'a pas seulement survécu aux autres membres d'origine, Dave Guard, décédé en 1991, et Nick Reynolds, décédé en 2008, il a également finalement pris possession du nom du groupe et a consacré sa vie à diverses incarnations du trio, depuis sa fondation. de 1957 à 2004, lorsqu'une crise cardiaque l'oblige à arrêter ses tournées.

En cours de route, le trio a été le fer de lance d'une réinvention du folk en tant que jeune phénomène médiatique à son apogée, en 1959, le groupe a placé quatre albums dans le Top 10 en même temps. En tournée dans le 21e siècle, le Kingston Trio est resté une présence nostalgique pour ses fans, attirant de nombreux fans à son Trio Fantasy Camp annuel à Scottsdale, en Arizona.

M. Shane est né Robert Castle Schoen le 1er février 1934 à Hilo, Hawaï, fils d'Arthur Castle Schoen et de Margaret (Schaufelberger) Schoen. Son père, dont les ancêtres allemands s'étaient installés à Hawaï dans les années 1890, était un distributeur en gros prospère de jouets et d'articles de sport. Sa mère, originaire de Salt Lake City, a rencontré son futur mari alors qu'ils étaient tous deux étudiants à l'université de Stanford dans les années 1920.

À Hilo, le père de M. Shane avait prévu que Bob reprenne l'entreprise familiale. Mais à l'école privée Punahou d'Honolulu, Bob apprend le ukulélé et les chants des îles polynésiennes et rencontre M. Guard, avec qui il forme un duo.

Après le lycée, M. Shane, M. Reynolds et M. Guard ont parfois joué ensemble alors qu'ils fréquentaient l'université en Californie du Nord – M. Shane et M. Reynolds au Menlo College, et M. Guard à proximité à Stanford.

Après avoir obtenu son diplôme en 1956, M. Shane est retourné à Hawaï pour apprendre l'entreprise familiale, mais il s'est retrouvé plus attiré par la musique. Comme il l'a dit, il a joué comme « le tout premier imitateur d'Elvis » et a compté la musique hawaïenne, Hank Williams, Harry Belafonte et les Weavers parmi ses influences.

Un an plus tard, lorsque M. Guard et M. Reynolds ont décidé de se lancer dans une carrière musicale professionnelle, M. Shane les a rejoints et est retourné en Californie, où le Kingston Trio est né, en 1957. Le nom, une référence à Kingston , la Jamaïque, était censé évoquer la musique calypso, qui était alors populaire. Les membres dégageaient un style collégial jeune et épuré, illustré par leur look signature : des chemises Oxford colorées à rayures verticales.

Un an plus tard, le premier album du trio, sur Capitol Records, comprenait une version désinvolte d'une ballade basée sur le meurtre en 1866 d'une femme de Caroline du Nord et la pendaison d'un pauvre ancien soldat confédéré pour le crime. La chanson, "Tom Dooley", s'est hissée au premier rang des charts des singles, s'étant vendue à trois millions d'exemplaires et valu au trio un Grammy Award pour la meilleure performance country et western. (Il n'y avait pas de catégorie Grammy pour les folk à l'époque.)

De sa fondation à 1965, le groupe comptait 14 albums dans le Top 10 du Billboard, dont cinq ont atteint le numéro 1. Il a inspiré des dizaines d'imitateurs et, pendant un certain temps, était probablement le groupe de musique le plus populaire au monde. John Stewart a remplacé M. Guard en 1961. (M. Stewart est décédé en 2008.)

L'accueil critique du Kingston Trio n'a pas été à la hauteur de son succès populaire. À de nombreux puristes du folk, le trio vendait un mélange édulcoré de folk et de pop qui commercialisait la musique folk authentique d'innombrables cueilleurs inconnus des Appalaches. Et conscients de la façon dont des musiciens folk comme Pete Seeger avaient été mis sur liste noire pendant l'ère McCarthy, d'autres se sont plaints que la marque de folk optimiste et anodine du trio trahissait la musique populiste de gauche de pionniers comme Woody Guthrie et Cisco Houston.

Les membres du trio ont déclaré qu'ils s'étaient délibérément tenus à l'écart du matériel politique comme moyen de maintenir l'acceptation par le grand public. En outre, a déclaré M. Shane, les puristes folkloriques utilisaient le mauvais critère.

"Appeler les chanteurs folk du Kingston Trio était un peu stupide au départ", a-t-il déclaré. "Nous ne nous sommes jamais appelés chanteurs folk." Il a ajouté: "Nous avons fait du matériel folklorique, mais nous l'avons fait au milieu de toutes sortes d'autres choses."

En effet, certains des meilleurs moments de M. Shane, comme la ballade enfumée à l'heure du cocktail «Scotch and Soda», n'avaient rien à voir avec le folk. En 1961, Ervin Drake a écrit "C'était une très bonne année" pour M. Shane. Il l'a chanté avec le trio bien avant que Frank Sinatra n'en fasse l'un de ses enregistrements classiques.

Pourtant, plus que tout autre groupe de son époque, le Kingston Trio a capturé l'optimisme juvénile des années Kennedy. La chanson titre d'un album de 1962 était "The New Frontier", faisant écho à la propre phrase du président John F. Kennedy et faisant allusion à son discours inaugural avec les paroles "Laissez le mot avancer à partir de ce jour / Une nouvelle génération est née".

À peu près à la même époque, le trio a eu un succès improbable avec le genre de matériel qu'il avait évité : la chanson anti-guerre de M. Seeger "Where Have All the Flowers Gone?"

Mais à ce moment-là, le trio était sur le point d'être supplanté en tant que visage du folk par une nouvelle génération de chanteurs plus durs comme Bob Dylan, Phil Ochs et Joan Baez, et par des chanteurs plus branchés comme Peter, Paul et Mary. Puis l'arrivée de l'invasion britannique et l'essor du rock ont ​​totalement marginalisé le groupe.

Au fil du temps, d'autres, dont M. Dylan et Mme Baez, ont accordé plus de crédit au groupe pour avoir popularisé la musique folk et servir de pont vers le folk, le folk-rock et le rock plus aventureux des années 1960.

Comme Mme Baez l'a écrit dans ses mémoires « And a Voice to Sing With » (1987) : « Avant de devenir snob et d'apprendre à mépriser toute musique folk commerciale comme bâtarde et impie, j'adorais le Kingston Trio. Quand je suis devenu l'un des principaux praticiens du « peuple pur », je les ai toujours aimés. »

Les admirateurs de M. Shane ont déclaré que ses talents n'avaient jamais été pleinement reconnus.

"Bob Shane était, à mon avis, l'un des chanteurs les plus sous-estimés de l'histoire musicale américaine", a déclaré George Grove, membre du trio depuis 1976, dans un e-mail en 2015. "Sa voix était la voix, pas seulement du Kingston Trio mais d'une ère de narration musicale.

Le groupe s'est dissous en 1967, mais après un bref passage en tant qu'artiste solo, M. Shane est revenu, d'abord avec ce qui était présenté comme le New Kingston Trio, puis avec diverses formations de Kingston Trio.

M. Shane, même selon les normes saines du groupe, s'est démarqué et a été présenté, à moitié sérieusement, comme le sex-symbol du trio. Au fil des ans, ses cheveux sont passés d'un garçon de fraternité soigné à une crinière enneigée, mais il est resté congénitalement optimiste, comme un joueur habitué à tirer des mains gagnantes.

Après sa retraite, M. Shane a vécu à Phoenix dans une maison pleine de disques d'or et de souvenirs du Kingston Trio. Passionné de voitures et de motos hors route, il collectionne également les guitares et l'art Martin.

Il laisse dans le deuil son épouse, Bobbi (enfant) Shane, cinq enfants d'un mariage antérieur, avec Louise Brandon : Jody Shane Beale, Susan Shane Gleeson, Inman Brandon Shane, Robin Castle Shane et Jason McCall Shane et huit petits-enfants.

"La chose dont je suis le plus fier à côté de mes enfants, c'est d'avoir joué en direct devant plus de 10 000 000 de personnes", a-t-il déclaré sur le site Web du groupe.

Même après sa retraite, il a toujours trouvé des moyens de se produire.

"De temps en temps, quelqu'un m'appelle et me demande de monter sur scène, et je prépare quelques bouteilles d'oxygène et je pars", a-t-il déclaré dans une interview en 2011. «Je dis toujours aux gens que j'ai l'intention de vivre pour toujours. Jusqu'ici tout va bien."


Dave Van Ronk

Dave Van Ronk était l'une des figures les plus importantes de la scène musicale folk de Greenwich Village dans les années 1960. Il était un militant et un auteur-compositeur, une marine marchande et un ancien membre d'un quatuor de salons de coiffure. Mais c'est son implication dans la scène qui l'a littéralement mis sur la carte, il y a une rue dans le West Village de New York qui porte son nom.


Contenu

En 1866, Laura Foster est assassinée. Le vétéran confédéré Tom Dula, l'amant de Foster et le père de son enfant à naître, a été reconnu coupable de son meurtre et pendu le 1er mai 1868. Foster avait été poignardé à mort avec un grand couteau, et la brutalité de l'attaque expliquait en partie la large publicité du meurtre et du procès qui a suivi.

Anne Foster Melton, la cousine de Laura, avait été l'amante de Dula depuis l'âge de douze ans et jusqu'à son départ pour la guerre de Sécession – même après qu'Anne eut épousé un homme plus âgé nommé James Melton. Au retour de Dula, il redevint l'amant d'Anne, puis de Laura, puis de leur cousine Pauline Foster. Les commentaires de Pauline ont conduit à la découverte du corps de Laura et à des accusations contre Tom et Anne. Anne a ensuite été acquittée dans un procès séparé, sur la base de la parole de Dula qu'elle n'avait rien à voir avec le meurtre. [7] La ​​déclaration énigmatique de Dula sur la potence selon laquelle il n'avait pas fait de mal à Foster mais méritait toujours sa punition a conduit à la spéculation de presse que Melton était le tueur réel et que Dula a simplement couvert pour elle. (Melton, qui avait un jour exprimé sa jalousie à l'égard des prétendus projets de Dula d'épouser Foster, est décédé soit dans un accident de charrette, soit en devenant fou quelques années après l'homicide, selon la version. [ citation requise ] )

Grâce aux efforts de journaux tels que Le New York Times et au fait que l'ancien gouverneur de Caroline du Nord Zebulon Vance représentait Dula pro bono, le procès pour meurtre et la pendaison de Dula ont fait l'objet d'une large publicité nationale. Un poète local, Thomas C. Land, a écrit une chanson populaire sur la tragédie de Dula peu après la pendaison de Dula intitulée « Tom Dooley ». Combiné avec la publicité répandue que le procès a reçue, la chanson de Land a encore cimenté la place de Dula dans la légende de Caroline du Nord [2] [3] est encore chantée aujourd'hui dans toute la Caroline du Nord. [ citation requise ]

Un homme nommé "Grayson", mentionné dans la chanson comme pivot de la chute de Dula, a parfois été caractérisé comme un rival romantique de Dula ou un shérif vengeur qui l'a capturé et a présidé à sa pendaison. Certaines variantes des paroles de la chanson dépeignent Grayson sous cet angle, et l'introduction parlée de la version Kingston Trio [6] a fait de même. Le colonel James Grayson était en fait un politicien du Tennessee qui avait embauché Dula dans sa ferme lorsque le jeune homme avait fui la Caroline du Nord sous le soupçon et utilisait un faux nom. Grayson a aidé les Caroline du Nord à capturer Dula et a participé à son retour en Caroline du Nord, mais n'a joué aucun rôle dans l'affaire. [ citation requise ]

Dula a été jugé à Statesville parce qu'on pensait qu'il ne pourrait pas obtenir un procès équitable dans le comté de Wilkes. Il a subi un nouveau procès en appel, mais il a de nouveau été condamné et pendu le 1er mai 1868. Sur la potence, Dula aurait déclaré : « Messieurs, voyez-vous cette main ? Je n'ai pas blessé un cheveu de la tête de la fille. " [ citation requise ]

Le nom de famille de Dula se prononçait "Dooley", ce qui a entraîné une certaine confusion dans l'orthographe au fil des ans. La prononciation d'un "a" final comme "y" [ éclaircissements nécessaires ] est une ancienne caractéristique du discours des Appalaches, comme dans le terme « Grand Ole Opry ». [ citation requise ] La confusion a été aggravée par le fait que le Dr Tom Dooley, un médecin américain connu pour son travail humanitaire international, était au sommet de sa gloire en 1958 lorsque la version Kingston Trio est devenue un grand succès. [ citation requise ]

De nombreuses interprétations de la chanson ont été enregistrées, notamment :

  • En 1929, G. B. Grayson et Henry Whitter ont fait la première version enregistrée de la chanson de Land par un groupe bien connu à l'époque, pour Victor. [8][9][10][11] , Elektra, 1952. Warner, un folkloriste, ignorant l'enregistrement de 1929, en 1940 a retiré la chanson de Frank Proffitt et l'a transmise à Alan Lomax qui l'a publiée dans Chanson folklorique : États-Unis. [12]
  • Le 30 mars 1953, la série radio de CBS Le suspense a diffusé un drame d'une demi-heure "Tom Dooley" vaguement basé sur la chanson, qui a été chanté pendant le programme par l'acteur Harry Dean Stanton. Bien qu'ils ne soient pas publiés sous forme d'enregistrement commercial, les disques de transcription de l'émission ont finalement été numérisés et diffusés par des collectionneurs de radio d'autrefois. [13] [meilleure source nécessaire]
  • Le Folksay Trio, qui comprenait Erik Darling, Bob Carey et Roger Sprung, a publié la première version post-1950 de la chanson pour American Folksay-Ballads and Dances, Vol. 2 sur le label Stinson en 1953. Leur version était remarquable pour inclure une pause dans la ligne "Hang down your head Tom. Dooley". Le groupe s'est reformé en 1956 sous le nom de The Tarriers, avec Darling, Carey et Alan Arkin, et a sorti une autre version de "Tom Dooley" pour Les Tarriers sur le label Glory en 1957. [14]
    a enregistré la version la plus populaire de la chanson en 1958 pour Capitol. Cet enregistrement s'est vendu à plus de six millions d'exemplaires, dépassant les États-Unis. Panneau d'affichage Hot 100, et est souvent crédité du début du « boum de la musique folklorique » de la fin des années 50 et des années 60. [6] Il n'y avait que trois couplets (et le refrain quatre fois). Cet enregistrement de la chanson a été introduit dans le National Recording Registry de la Bibliothèque du Congrès [15] et a été honoré d'un Grammy Hall of Fame Award. [16] La Grammy Foundation l'a nommé l'une des chansons du siècle. [8] et Crazy Horse ont enregistré une version de huit minutes sur leur album de 2012 Americana, sur lequel ils ont renommé la chanson avec l'orthographe appropriée "Tom Dula" et l'ont prononcée de manière à en faire une déclaration politique contre l'ancien chef de la majorité républicaine à la Chambre, Tom DeLay. [citation requise]

Parmi les autres artistes qui ont enregistré des versions de la chanson figurent Paul Clayton, Line Renaud, Bing Crosby, Jack Narz, Steve Earle et The Grateful Dead.

Parodies Modifier

"Tom Dooley" a suscité un certain nombre de parodies, soit dans le cadre d'autres chansons, soit en tant que chansons entières. Par exemple:

    utilisé cette chanson et Worried Man Blues pour se moquer du Kingston Trio dans leur chanson Plus d'argent pour vous et moi. laisse tomber une ligne modifiée de la chanson dans un enregistrement de "Rudolph the Red-Nosed Reindeer"
  • L'Incredible Bongo Band a enregistré la chanson "Hang Down Your Head Tom Dooley, Your Tie's Caught In Your Zipper" (1972). a fait une version sur leur album "The Songs and Comedy of the Smothers Brothers! Recorded at the Purple Onion, San Francisco" où ils ont fait référence au procès contre le Kingston Trio en affirmant que Dickie Smothers l'avait écrit et que le Kingston Trio l'avait volé . utilisé cette chanson pour se moquer de Tom Daschle sur leur album 2003 Entre l'Irak et un endroit dur[17]

Pour Capitol Records, sortie 45 tours # F4049 par le Kingston Trio [18]

Graphique (1958) Culminer
position
Graphique des célibataires australiens 1
Tableau des célibataires canadiens 1
Tableau des célibataires norvégiens 1
Tableau des célibataires italiens 1
Graphiques sud-africains 8
Graphique des célibataires au Royaume-Uni 5
nous Panneau d'affichage Chaud 100 [19] 1
NOUS. Panneau d'affichage Côtés R&B chauds [20] 9

Graphiques de tous les temps Modifier

Le troisième et dernier couplet de la chanson à succès croisé de Stonewall Jackson Waterloo de 1958 faisait référence à Tom Dooley avec les paroles "Maintenant, il balance où chante le petit oiseau, et c'est là que Tom Dooley a rencontré son Waterloo".

Le hit de Kingston Trio a inspiré le film, La légende de Tom Dooley (1959), avec Michael Landon, avec Richard Rust. Un décor occidental après la guerre civile, il ne s'agissait pas des légendes traditionnelles de Tom Dula ou des faits de l'affaire, mais d'un traitement fictif adapté aux paroles de la chanson.

"Tom Dooley" est le nom d'un épisode de la saison 5 de Allié McBeal, dans lequel John Cage chante une version de la chanson avec son groupe mexicain.

La chanson a été parodiée dans l'épisode n° 702 de Théâtre de la Science Mystère 3000. Crow T. Robot, motivé par la ressemblance d'un acteur avec Thomas Dewey, a chanté une version commençant par « Hang down your head, Tom Dewey."

La version de Glada Barn de la chanson de Land se termine Rectifier épisode de la saison 2 "Mazel Tov". [22]

Dans le film de 1980 vendredi 13, les campeurs de la scène d'ouverture commencent à chanter la chanson. La scène d'ouverture se déroule en 1958, l'année où la version Kingston Trio de la chanson a fait ses débuts.


Voir la vidéo: la belle Gaspésie