Chronologie d'Andrea Mantegna

Chronologie d'Andrea Mantegna


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  • c. 1431

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna est né à Isola di Cartura près de Padoue.

  • c. 1431 - 1506

    Vie de l'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna.

  • 1449 - 1456

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna travaille sur les fresques de la chapelle Ovetari de l'église Eremitani de Padoue.

  • 1453

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna épouse la fille de Jacopo Bellini.

  • c. 1455 - c. 1460

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna travaille sur son tableau L'agonie dans le jardin.

  • c. 1459

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna s'installe à Vérone et travaille sur un retable pour l'église Saint-Zénon.

  • 1460

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna devient l'artiste de cour de la famille Gonzague de Mantoue.

  • 1465 - 1474

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna travaille sur ses cycles de fresques dans le Palazzo Ducale de Mantoue.

  • 1488

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna est chargé par le Pape de réaliser des fresques dans la chapelle du Belvédère du Vatican.

  • c. 1490

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna réalise sa gravure La bataille des dieux marins.

  • 1490

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna réalise ses panneaux de détrempe Triomphe de César.

  • 1497

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna réalise son tableau Parnassus.

  • c. 1502

    L'artiste italien de la Renaissance Andrea Mantegna réalise son tableau La vertu triomphante sur le vice.


ਊndrea Mantegna.

Andrea Mantegna est né vers 1431 dans la République de Venise. Le fils d'un menuisier he a grandi à Padoue. À l'âge de onze ans, il devient l'apprenti de Francesco Squarcione, archéologue, peintre et marchand d'antiquités.

"St. James a conduit à son exécution." (s) Seules des photographies existent de cette œuvre, elle a été détruite lors des bombardements alliés de la Seconde Guerre mondiale.

L'atelier de Squarcione était célèbre dans toute l'Italie et c'est ici que son jeune élève étudia l'art roman et la sculpture. Les principales influences de l'artiste à cette époque sont Donatello et la sculpture classique.

Squarcione était un personnage assez épineux et il s'est rapidement brouillé avec son jeune élève précoce, et l'apprentissage s'est finalement terminé par une violente dispute et un procès. 

Andrea était connu pour travailler sur des fresques pour la chapelle Ovetari en 1448 alors qu'il n'avait que dix-sept ans, mais ce travail a été presque détruit lors d'un bombardement en 1944.

Dans cette série de peintures, l'utilisation de sa vue de vers est très évidente dans le St. James qui a conduit à son exécution, et est un bon exemple de la compréhension de la perspective de l'artiste.

En 1454, l'artiste épousa Nicolosia, la fille de Jacobo Bellini, et devint ainsi le beau-frère des peintres Giovanni et Gentile Bellini.

Entre 1456 et 1459 Andrea a peint un triptyque pour le retable de San Zeno l'église principale de Vérone.


L'école vénitienne : concepts, styles et tendances

Portraits

Giovanni Bellini fut le premier grand portraitiste parmi les artistes vénitiens, comme son Doge Léonard Loredan (1501) a créé une image convaincante qui, tout en étant naturaliste et véhiculant le jeu de la lumière et de la couleur, idéalisait le sujet et son rôle social en tant que leader de Venise. L'œuvre très acclamée a alimenté la demande de portraits des aristocrates et des riches marchands, qui recherchaient un traitement naturaliste qui traduisait simultanément leur importance sociale.

Giorgione et Titian ont tous deux été les pionniers de nouveaux traitements du portrait. celui de Giorgione Jeune femme (1506) développa le nouveau genre du portrait érotique qui fut par la suite largement adopté. Titien a étendu la vue du sujet pour inclure la plupart de la figure, comme on le voit dans son Portrait du Pape Paul III (c. 1553), et a souligné non pas le rôle idéalisé, mais la complexité psychologique de ses sujets.

Paolo Veronese a également peint des portraits remarquables, comme on le voit dans son Portrait d'homme (v. 1576-1578) montrant une vue en pied d'un aristocrate vêtu de noir debout contre un fronton à colonnes. Jacopo Tintoretto était également connu pour ses autoportraits captivants.

Sujets mythologiques

Bellini a été le pionnier du sujet mythologique dans son Fête des Dieux (1504). Titien a développé le genre dans des représentations de scènes bacchanales telles que son Bacchus et Ariane (1522-1523), peint pour la chambre privée du duc de Ferrera. Les mécènes vénitiens étaient particulièrement attirés par l'art basé sur les mythes grecs classiques, car de tels sujets, non contraints par des messages religieux ou moralistes, pouvaient être appréciés pour leur érotisme et leur hédonisme. Le travail de Titien comprenait un large éventail de sujets mythologiques, car il a créé six grandes peintures pour le roi Philippe II d'Espagne, y compris son Danaé (1549-1550), une femme séduite par Zeus déguisé en soleil, et son Vénus et Adonis (c. 1552-1554) représentant la déesse et son amant mortel.

Les contextes mythologiques ont également joué un rôle dans le lancement du genre du nu féminin, comme le Vénus endormie (1508), qui a été le pionnier de la forme. Titien approfondit le sujet en mettant l'accent sur un érotisme joué vers le regard masculin comme dans son Vénus d'Urbino (1534). Leurs titres plaçaient les deux œuvres dans un contexte mythologique, bien que leurs traitements picturaux éliminaient toute référence visuelle à la déesse. D'autres œuvres de Titien devaient inclure des références telles que vues dans son Vénus et Cupidon (vers 1550). L'impulsion mythologique, si populaire parmi les Vénitiens, a également influencé leur développement de scènes contemporaines comme des spectacles dramatiques, comme on le voit dans Véronèse Fête dans la maison de Levi (1573) peint sur une échelle monumentale, mesurant dix-huit par quarante-trois pieds.

Architecture vénitienne

Ville côtière connue pour son système de canaux, Venise avait peu de terrain solide sur lequel construire. En conséquence, de nombreux projets architecturaux impliquaient la refonte des bâtiments, souvent en créant de nouvelles façades. Les premiers architectes de la Renaissance vénitienne furent les frères Antonio et Tullio Lombardo, qui reconstruisirent la Scuola di San Marco (vers 1490). Sculpteurs de formation, ils ont sculpté la façade en relief pour créer une perspective illusionniste.

Alors que les innovations de la Renaissance via les travaux de Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti et Donato Bramante ont influencé les architectes vénitiens, c'est la tradition byzantine et gothique qui a continué à dominer la conception architecturale. Cela a changé dans les années 1500, lorsque le sculpteur et artiste Jacopo Sansovino a déménagé à Venise après le sac de Rome de 1527. Nommé architecte en chef de Venise en 1529, il fut chargé de concevoir divers édifices publics sur la place Saint-Marc. Son amour des idéaux de la Haute Renaissance l'a amené à créer un nouveau style incorporant les traditions classiques aux côtés de l'amour vénitien de la décoration somptueuse. Son chef-d'œuvre était la Biblioteca Marciana (1537-1587), la Bibliothèque de Saint-Marc, saluée par Andrea Palladio comme le "meilleur bâtiment depuis l'Antiquité".

Le plus grand et le plus influent des architectes vénitiens, Andrea Palladio, était connu non seulement pour ses conceptions, mais aussi pour ses Il Quattro Libri dell' Architettura (Les quatre livres d'architecture) (1570), qui comprenait ses règles et concepts architecturaux et a été largement lu dans toute l'Europe. L'érudit et architecte humaniste Gian Giorgio Trissino a été le mentor de toute une vie de Palladio. Trissino, un ami de Léonard de Vinci à Milan, a été influencé par les conceptions de Léonard utilisant la symétrie radiale et son intérêt pour les principes architecturaux de Vitruve. En conséquence, Palladio a utilisé des éléments classiques de Vitruve et des proportions mathématiques, mais les a réinterprétés vers des conceptions simples qui, en utilisant des matériaux de construction disponibles localement et peu coûteux, étaient facilement reproductibles. Bien qu'il ait conçu les églises vénitiennes San Giorgio Maggiore (1565) et Il Redentore (1576), il était principalement connu pour son architecture résidentielle. Ses villas de campagne et ses palais urbains sont devenus la norme pour les maisons aristocratiques.


Retable de San Zeno (1457-60)

Ce retable représente six scènes distinctes, au centre d'entre elles la sacra conversation, dans laquelle des saints entourent la Vierge à l'Enfant. Les trois panneaux du bas présentent, de gauche à droite, l'agonie dans le jardin, la crucifixion et la résurrection. Le cadre du retable imite la façade d'un temple grec antique, peint en or, avec les illustrations encadrées par des piliers de style corinthien. La scène est ainsi positionnée, pour ainsi dire, dans l'espace du temple, avec l'illusion des piliers reculant derrière la charpente. Les fonds des panneaux sont également décorés pour suggérer l'intérieur du temple. Les couleurs dominantes utilisées sont le rouge et l'or, avec des touches de vert, formant une scène tonale harmonieuse orientée autour des figures centrales de la sainte mère et de l'enfant, qui rencontrent le regard du spectateur alors que les figures périphériques regardent dans diverses directions opposées.

L'œuvre offre une sorte de synthèse stylistique typique de l'approche de Mantegna, utilisant un style de portrait classique pour représenter des thèmes et des personnages chrétiens, qui se comportent à la manière des icônes gréco-romaines. C'est plus clair dans le cas de saint Jean-Baptiste (en haut à droite) qui se tient dans un contraposte pose comme celle de Polyclète Doryphore, le porte-lance. Mantegna réutilise ces éléments formels classiques et d'autres pour donner au récit chrétien une nouvelle vie et une nouvelle vigueur, comme dans les trois scènes inférieures, qui présentent dans un ordre linéaire les événements de la mort et de la résurrection du Christ. Un sentiment de continuité narrative est généré, par exemple, par le réveil dans le panneau inférieur droit des personnages endormis de la scène « d'agonie ». De tels motifs thématiques ont permis (aux téléspectateurs potentiellement illettrés) de se connecter émotionnellement aux événements de la vie du Christ via un engagement avec le retable.

L'organisation spatiale de la pièce est également métaphoriquement significative, avec des événements du monde des mortels placés sous le palais des divinités dans les trois panneaux supérieurs. Cette technique est également courante dans l'art classique, avec des divinités souvent placées au-dessus des acteurs humains dans les fresques pour signifier la distinction entre les mondes mortels et immortels. Une approche formelle similaire - utilisant des divisions de panneaux pour séparer différents ordres d'existence - s'était également répandue au cours du XIVe siècle, avec la Vierge à l'enfant souvent représentée dans le panneau central et les saints rayonnant vers l'extérieur. Mantegna modernise cependant cette technique en unifiant l'espace imaginatif représenté sur des rangées de panneaux, démontrant une fois de plus sa capacité à renouveler des techniques formelles et des motifs thématiques séculaires. Il contraste également l'antiquité païenne avec le présent chrétien en compensant les couleurs vibrantes des tenues chrétiennes contre les couleurs sourdes du temple derrière. Ce contraste sert à reconnaître l'influence du cadre classique sur la culture et l'art de la Renaissance tout en suggérant leur réorientation pour les temps modernes.

Di sotto in su (1465-74)

L'une des œuvres les plus célèbres de Mantegna, le panneau de plafond du Caméra degli Sposi, ou "chambre nuptiale" du Palazzo Ducale de Mantoue a été commandée par Ludovico III Gonzaga, qui a employé Mantegna pendant plusieurs années. L'œuvre crée l'illusion d'une fenêtre circulaire s'ouvrant sur le ciel au-dessus. La chambre nuptiale ci-dessous est décorée pour suggérer un pavillon de cérémonie, les murs peints avec des décorations architectoniques élaborées. L'oculus est peint pour ressembler à du marbre et est entouré d'une guirlande. Les illustrations donnent l'impression d'en bas de personnages regardant dans l'oculus, tandis que des chérubins ailés se rassemblent à l'intérieur et autour de celui-ci, les deux moitiés de l'ouverture délimitées par un paon et une plante en pot. Les personnages semblent converser entre eux tout en regardant du ciel parsemé de nuages. Le type d'illusion d'optique utilisé dans le panneau de plafond est appelé di sotto dans su, signifiant "raccourcissement", dans ce cas générant l'impression de corps et de formes aperçus directement en dessous. L'illusion d'un espace tridimensionnel est complétée par le style hyperréaliste des décorations autour de l'oculus, qui suggèrent un espace architectural interne différent de l'espace architectural réel de la chambre.

Comme le retable antérieur de Mantegna, l'œuvre infuse des éléments de style classique avec des thèmes chrétiens de la Renaissance. Le pavillon imaginaire est décoré dans un style gréco-romain élevé, avec des portraits classiques au plafond, tandis que l'utilisation de la décoration murale architectonique en elle-même rappelle la décoration des tombes à l'époque classique comme « chambres des morts ». L'inclusion du chérubin, quant à elle, rend hommage au Éros du panthéon classique tout en étant un exemple de la putti (chérubins ou enfants nus) courant dans l'art religieux de la Renaissance (comme l'était le paon).

Malgré ces grandes allusions, la pièce dégage une impression de légèreté ludique, alors que les personnages regardent fixement l'oculus - comme s'ils brisaient le quatrième mur de l'espace de performance - ou interagissent les uns avec les autres avec curiosité. En regardant de près, on peut voir que la plante en pot est soutenue par un poteau traversant l'oculus, et la femme en haut à gauche a la main sur le poteau comme si elle s'apprêtait à faire une farce en laissant tomber la plante dans la cour en contrebas. Les chérubins sont également connus pour leur enjouement et leur ruse, et la présence de tant de personnes rassemblées signifie probablement qu'une sorte de bouffonnerie est en cours.

Concrètement, l'oculus du plafond du Palazzo Ducale était probablement destiné à exalter la famille Gonzague en suggérant que leurs vies intéressaient la foule céleste rassemblée au-dessus. Rétrospectivement, il s'est avéré être l'une des œuvres les plus influentes de Mantegna. Le premier exemple noté de l'utilisation de di sotto dans su peinture en perspective, elle marque un bond en avant significatif dans l'évolution de l'illusionnisme spatial. La technique a été réitérée dans de nombreuses structures baroques et Renaissance et est devenue une caractéristique déterminante de l'art des fresques d'Antonio da Correggio, Giovanni Battista Gaulli, Andrea Pozzo et d'autres.


  • 3ème siècle avant notre ère - Romains au pouvoir. [1]
  • 601 CE - Les forces de Lombard Agilulf prennent Mantoue. [2]
  • 804 CE - Établissement du diocèse catholique romain de Mantoue. [3]
  • 977 - Canossa au pouvoir. [1]
  • 1007 - Boniface III au pouvoir.
  • 1090 - Henri IV, empereur romain germanique au pouvoir. [2]
  • 1113 - Les forces de Mathilde de Toscane prennent Mantoue. [2]
  • 1115 - Mantoue devient une "commune quasi-indépendante". [1]
  • 1150 - La monnaie de Mantoue [elle] commence à circuler. [citation requise]
  • 1167 - Mantoue rejoint la Ligue Lombard. [4] >
  • 1236 - Les forces de Frédéric II, empereur romain germanique tentent de prendre Mantoue. [2]
  • 1272 - Bonacolsi au pouvoir (jusqu'en 1328). [1]
  • 1281 - Tour construite.
  • 1328
      en puissance. [2] construit. [2]
    • en opération. [9][10]
    • Début de la reconstruction de la basilique de Sant'Andrea. [4]
    • 1607 - Opéra de Monteverdi L'Orfeo premières à Mantoue. [12]
    • 1625 - Création du jésuite Pacifico Ginnasio Mantovano (université). [11]
    • 1630
      • Ville saccagée par les forces autrichiennes pendant la guerre de Succession de Mantoue. [2]
      • Peste. [6]
      • 2 février : le siège de Mantoue met fin à la victoire française. [1]
      • Ville devient siège du « département du Mincio dans la marionnette de Napoléon République cisalpine ». [1]
      • 1905 - Murs de Mantoue [il] démolis. [6]
      • 1908 - Le tramway de Mantoue [il] commence à fonctionner. [21]
      • 1911
          (club de football) formé.
      • Population : 32 657. [22]
        • [it] (bus) commence à fonctionner. [21] (stade) s'ouvre.
      • 2005 - Ouverture de l'arène PalaBam.
      • 2006 - Construction de la piste cyclable Mincio entre Peschiera del Garda et Mantoue.
      • 2012 - Mai : Tremblement de terre.
      • 2013 - Population : 47 223. [23]
      • 2015 - Mattia Palazzi devient maire.

      Chronologies d'autres villes de la macrorégion du nord-ouest de l'Italie : (it)

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      38. "Italie". Annuaire de l'homme d'État. Londres : Macmillan and Co. 1913.
      39. ^
      40. "Population Résidente". Démo-Géodémo. Istituto Nazionale di Statistica . Consulté le 7 décembre 2016 .

      Cet article intègre des informations de la Wikipédia italienne.


      Vêtements pour hommes

      « Le costume de base des hommes de cette période consistait en une chemise, un pourpoint et un tuyau, avec une sorte de survêtement (robe portée par-dessus les vêtements).

      Les hommes de toutes les classes portaient des shorts braies ou culottes, un sous-vêtement ample, généralement en lin, qui était maintenu par une ceinture. Des tuyaux ou des chausses en laine étaient utilisés pour couvrir les jambes et étaient généralement de couleur vive. Les premiers bas avaient parfois des semelles en cuir et étaient portés sans chaussures ni bottes. Les tuyaux étaient généralement attachés à la ceinture de la culasse, ou à la culotte elle-même, ou à un pourpoint.

      Au fur et à mesure que les pourpoints devenaient plus courts, les bas atteignaient la taille plutôt que les hanches et étaient cousus ensemble en un seul vêtement avec une poche ou un rabat pour couvrir l'ouverture avant, ce qui évoluait en la braguette.

      Les bas exposés par les hauts courts étaient, en particulier en Italie à la fin du XVe siècle, souvent à motifs frappants, multicolores (différentes couleurs pour chaque jambe ou divisés verticalement) ou brodés. Les tuyaux ont été coupés en travers ou en biais pour l'étirement.”

      Fig. 1 - Cosmè Tura (italien, 1433-1495). Portrait d'un jeune homme, années 1470. Tempera sur bois 28,3 x 19,7 cm (11 1/8 x 7 3/4 in). New York : Le Metropolitan Museum of Art, 14.40.649. Legs de Benjamin Altman, 1913. Source : Le Met

      Fig. 2 - Liberale da Verona (italien, 1445-1527). Les joueurs d'échecs, Californie. 1475. Tempera sur bois 34,9 x 41,3 cm (13 3/4 x 16 1/4 in). New York : Metropolitan Museum of Art, 43.98.8. Collection Maitland F. Griggs, legs de Maitland F. Griggs, 1943. Source : The Met

      Fig. 3 - Hans Memling (Netherlandish, 1465-1494). Portrait d'un jeune homme, Californie. 1472-1475. Huile sur panneau de chêne 40 x 29 cm (15 3/4 x 11 3/8 in). New York : Metropolitan Museum of Art, 1975.1.112. Collection Robert Lehman, 1975. Source : Le Met


      Selon les quatre évangiles canoniques, immédiatement après la dernière Cène, Jésus s'est promené pour prier. Chaque évangile offre un récit légèrement différent concernant les détails narratifs. Les évangiles de Matthieu et Marc identifient ce lieu de prière comme Gethsémani. Jésus était accompagné de trois apôtres : Pierre, Jean et Jacques, auxquels il a demandé de rester éveillé et de prier. Il s'éloigna d'eux "à un jet de pierre", où il ressentit une tristesse et une angoisse accablantes, et dit "Mon Père, si c'est possible, laisse passer cette coupe. ce." Puis, un peu plus tard, il dit : « Si cette coupe ne peut pas passer, mais que je dois la boire, que ta volonté soit faite ! (Matthieu 26 :42 en latin Vulgate : fiat voluntas tua ). Il a dit cette prière trois fois, vérifiant les trois apôtres entre chaque prière et les trouvant endormis. Il a commenté : « L'esprit est disposé, mais la chair est faible ». Un ange est venu du ciel pour le fortifier. Pendant son agonie alors qu'il priait, « Sa sueur était comme de grosses gouttes de sang tombant sur le sol » (Luc 22 :44).

      À la fin du récit, Jésus accepte que l'heure est venue pour lui d'être trahi. [2]

      Dans la tradition catholique romaine, l'Agonie dans le jardin est le premier mystère douloureux du Rosaire et la première station du chemin de croix biblique (deuxième station dans la version philippine). La tradition catholique inclut des prières et des dévotions spécifiques comme actes de réparation pour les souffrances de Jésus pendant son agonie et sa passion. Ces actes de réparation à Jésus-Christ n'impliquent pas une pétition pour un bénéficiaire vivant ou mort, mais visent à « réparer les péchés » contre Jésus. Certaines de ces prières sont fournies dans le Raccolta Livre de prières catholique (approuvé par un décret de 1854 et publié par le Saint-Siège en 1898) qui comprend également des prières en tant qu'actes de réparation à la Vierge Marie. [3] [4] [5] [6]

      Dans son encyclique Misrentissimus Rédempteur sur les réparations, le pape Pie XI a appelé les actes de réparation envers Jésus-Christ un devoir pour les catholiques et les a décrits comme «une sorte de compensation à rendre pour le préjudice» en ce qui concerne les souffrances de Jésus. [7]

      La tradition catholique soutient que la sueur de sang de Jésus était littérale et non figurative. [8]

      Dans la tradition catholique, Matthieu 26:40 est la base de la dévotion de l'Heure Sainte pour l'adoration eucharistique. [9] Dans l'évangile de Matthieu : « Alors il leur dit : « Mon âme est très triste jusqu'à la mort, restez ici et veillez avec moi. » (Matthieu 26 :38) En venant vers les disciples, il les trouva endormis. et, dans Matthieu 26:40, demanda à Pierre :

      « Alors, ne pourriez-vous pas regarder avec Moi une heure ? » [9]

      La tradition de la dévotion de l'Heure Sainte remonte à 1673 lorsque sainte Marguerite-Marie Alacoque a déclaré qu'elle avait une vision de Jésus dans laquelle elle avait reçu l'ordre de passer une heure chaque jeudi soir à méditer sur les souffrances de Jésus dans le jardin de Gethsémani. [6] [10] [11]

      Il existe un certain nombre de représentations différentes dans l'art de l'Agonie dans le jardin, notamment :

      • Agonie dans le jardin – une peinture ancienne (1459-1465) du maître de la Renaissance italienne Giovanni Bellini
      • Agonie dans le jardin – une peinture du poète et artiste romantique William Blake, c. 1800, conservé à la Tate Britain à Londres
      • Agonie dans le jardin – une peinture de l'artiste italien Correggio, datant de 1524 et maintenant à Apsley House à Londres
      • Agonie dans le jardin – un tableau de l'artiste italien Andrea Mantegna, datant de 1458-1460 et conservé à la National Gallery de Londres
      • Agonie dans le jardin – un tableau d'Andrea Mantegna, datant de 1457-1459 et conservé au musée des Beaux-Arts de Tours
      • Agonie dans le jardin – une peinture des années 1510 de Gérard David autrefois attribuée à Adriaen Isenbrandt, aujourd'hui au Musée des Beaux-Arts de Strasbourg
      • Christ au mont des Oliviers – une peinture du peintre baroque Michelangelo Merisi da Caravaggio, c. 1605
      • Christ au mont des Oliviers – un tableau de Paul Gauguin, 1889
      • Christ au mont des Oliviers – un oratorio du compositeur classique Ludwig van Beethoven
      • "Gethsémani (Je veux seulement dire)" - Dans l'opéra rockJesus Christ Superstar par Tim Rice et Andrew Lloyd Webber, Jésus chante cette chanson dans laquelle il confronte Dieu à propos de son destin à venir, l'acceptant finalement à la fin de la chanson. Une reprise orchestrale est entendue après la crucifixion sous la forme de "John Nineteen: Forty-One".

      Une hypothèse médicale interprétative de l'hématidrose a été avancée dans la littérature scientifique, selon laquelle la grande angoisse mentale que Jésus a subie au point que sa sueur est devenue du sang n'est décrite que par Luc l'évangéliste parce qu'il était médecin. [12]


      Une chronologie des événements européens contemporains, 1400 à 1550


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      Andrea Mantegna

      Mantegna est né près de Padoue et a travaillé pour l'artiste local Squarcione. Croyant que ses talents étaient exploités, le jeune artiste ambitieux rompit leur accord et, en 1453, se maria avec la firme vénitienne rivale des Bellini. Le style primitif de Mantegna est représenté par l'« Agonie dans le jardin ».

      Sa première commande importante est venue en 1448, peignant des fresques pour la chapelle Eremitani à Padoue. Il travailla à Padoue, Vérone et Venise avant de s'installer à Mantoue en 1460, où il passa le reste de sa vie. Les grands tableaux de Mantegna dans la Galerie datent de ses années à Mantoue en tant qu'artiste de la cour des Gonzague.

      Son intérêt universitaire pour l'antiquité l'a amené à se lier d'amitié avec des érudits humanistes comme Felice Feliciano. En 1464, ils se déguisent en romains pour une excursion en bateau sur le lac de Garde. Dans les « Triomphes de César », Mantegna s'est intéressé à l'art antique, que l'on peut également voir dans le « Culte de Cybèle » de la Galerie. Il a développé une technique de peinture qui lui a permis d'imiter le regard de la sculpture classique. Mantegna a produit des gravures qui ont contribué à répandre ses conceptions et sa renommée au-delà de l'Italie. D'origines peut-être modestes, Mantegna est devenu un serviteur précieux des Gonzague. Il est fait chevalier en 1484, un honneur rare pour un artiste.


      Andrea Mantegna

      Andrea Mantegna (italien : [anˈdrɛːa manˈteɲɲa] c. 1431 –13 septembre 1506) était un peintre italien, étudiant en archéologie romaine et gendre de Jacopo Bellini. Comme d'autres artistes de l'époque, Mantegna a expérimenté la perspective, par ex. en abaissant l'horizon afin de créer un sentiment de plus grande monumentalité. Ses paysages de silex et métalliques et ses figures quelque peu caillouteuses témoignent d'une approche fondamentalement sculpturale de la peinture. Il a également dirigé un atelier qui était le premier producteur d'estampes à Venise avant 1500.

      Mantegna est né à Isola di Carturo, République de Venise près de Padoue (actuelle Italie), deuxième fils d'un charpentier, Biagio. À l'âge de onze ans, il devient l'apprenti de Francesco Squarcione, peintre de Padoue. Squarcione, dont la vocation originelle était la couture, semble avoir eu un enthousiasme remarquable pour l'art ancien et une faculté d'agir. Comme son célèbre compatriote Petrarca, Squarcione était un peu un fanatique de la Rome antique : il voyagea en Italie, et peut-être en Grèce, amassant des statues antiques, des reliefs, des vases, etc., formant une collection de telles œuvres, puis en faisant lui-même des dessins, et ouvrir ses magasins pour que d'autres étudient. Pendant ce temps, il a continué à entreprendre des travaux sur commande pour lesquels ses élèves non moins que lui ont été mis à disposition.

      Pas moins de 137 peintres et étudiants en peinture passèrent par l'école de Squarcione, qui avait été fondée vers 1440 et qui devint célèbre dans toute l'Italie. Padoue était attrayante pour les artistes venant non seulement de la Vénétie mais aussi de la Toscane, tels que Paolo Uccello, Filippo Lippi et Donatello. Le début de la carrière de Mantegna a en effet été façonné par des impressions d'œuvres florentines. À l'époque, Mantegna était considéré comme un élève préféré. Squarcione lui a enseigné le latin et lui a demandé d'étudier des fragments de sculpture romaine. Le maître préférait également la perspective forcée, dont les résultats persistants peuvent expliquer certaines des innovations ultérieures de Mantegna. Cependant, à l'âge de dix-sept ans, Mantegna se sépare de Squarcione. Il a affirmé plus tard que Squarcione avait profité de son travail sans payer les droits.

      Sa première œuvre, aujourd'hui perdue, fut un retable pour l'église de Santa Sofia en 1448. La même année, Mantegna fut appelé, avec Nicol&# 242 Pizolo, à travailler avec un grand groupe de peintres chargés de la décoration de la chapelle Ovetari en le transept de l'église des Eremitani. Il est probable, cependant, qu'avant cette époque certains des élèves de Squarcione, dont Mantegna, avaient déjà commencé la série de fresques dans la chapelle de S. Cristoforo, dans l'église de Sant'Agostino degli Eremitani, aujourd'hui considérée comme son chef-d'œuvre. Après une série de coïncidences, Mantegna a terminé la plupart du travail seul, bien qu'Ansuino, qui a collaboré avec Mantegna dans la chapelle Ovetari, ait apporté son style à l'école de peinture de Forlé. Le désormais censure Squarcione a critiqué les œuvres antérieures de cette série, illustrant la vie de St James, il a dit que les figures étaient comme des hommes de pierre et qu'il aurait mieux valu être colorées de la couleur de la pierre à la fois.

      Cette série fut presque entièrement perdue lors des bombardements alliés de Padoue en 1944. L'œuvre la plus spectaculaire du cycle de fresques était l'œuvre définie dans la perspective d'un worm's-eye view, St. James a conduit à son exécution. (Pour un exemple de l'utilisation par Mantegna d'un point de vue abaissé, voir l'image à droite des saints Pierre et Paul bien que beaucoup moins dramatique dans sa perspective que l'image de Saint-Jacques, le retable de San Zeno a été réalisé peu de temps après l'église Saint-Jacques. Le cycle de James était terminé et utilise bon nombre des mêmes techniques, y compris la structure architecturale classique.)

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