Motifs de poterie géométrique

Motifs de poterie géométrique


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Conceptions de poterie

Les motifs qui peuvent être créés par un artiste créatif et innovant, et qui a la capacité d'utiliser ses outils avec habileté, ne manquent pas. Chaque nation qui a une tradition de poterie, et chaque région au sein d'une telle nation, se vante de motifs uniques avec lesquels sa poterie est ornée. Mais peut-être est-il possible de classer ces conceptions de poterie en quelques grands groupes au sein desquels les styles indigènes se sont épanouis.

L'art de la poterie est le traditionnel de toutes les formes d'art. De nombreuses civilisations du monde ont laissé des traces indélébiles de leur art et de leur culture à travers leur art de la poterie. Les morceaux d'argile doux et souples étaient peut-être les modes les plus simples pour transformer l'imagination et les visions humaines en formes et formes tangibles. Le niveau de progrès, les coutumes, la religion, les diversités géographiques d'une région particulière peuvent être mesurés à travers l'artisanat de la poterie. En Inde, la fabrication de poterie a commencé avec la civilisation de la vallée de l'Indus et se poursuit encore aujourd'hui. Les poteries anciennes aux formes rustiques et aux textures grossières sont des pièces patrimoniales qui font des décorations ethniques. Les objets en terre cuite, les artefacts en argile peints en noir et les poteries émaillées de motifs persans sont des objets de poterie antique. Les poteries se présentent généralement sous la forme de jarres, de bols, de récipients, de pichets et de vases. Avec les progrès de la technologie, les argiles sont moulées en textures ultrafines, ce qui donne des produits de poterie élégants et élégants.

Articles d'artisanat
Peintures
Travail de la pierre

Les vases à fleurs, les cendriers, les presse-papiers, les sous-verres, les bibelots, les pièces maîtresses, les figurines décoratives et les services à thé fabriqués dans une gamme déconcertante de couleurs et de motifs sont des décors de poterie populaires. Ils peuvent être offerts en cadeau aux proches et peuvent être utilisés pour la décoration intérieure. Les ensembles de table exquis sont de riches dotations en poterie. Ils peuvent inclure de beaux bols, casseroles, plats, cuillères, sous-verres, casseroles et tasses. Les conceptions de vaisselle varient des motifs floraux typiques aux motifs géométriques modernes. Attrayante et colorée, la vaisselle en poterie crée vraiment l'ambiance pour le dîner en dressant une table parfaite.

Les céramiques sont des substances non métalliques soumises à une cuisson élevée. La poterie en céramique est l'élément décoratif le plus recherché de nos jours. L'artisanat unique de la poterie était pratiqué dans la Grèce antique, à Rome, au Japon, en Chine, en Afrique, en Mésopotamie, en Perse et en Inde. Les céramiques cuites au feu de bois moulées dans de belles figurines et récipients grecs envoûtent par leur art et leur esthétisme immaculés. La poterie en céramique peut être retracée en Inde depuis l'époque harappéenne. Les poteries ont subi plusieurs expériences sous les mains des maîtres artisans à plusieurs périodes de l'histoire. Il convient de mentionner les carreaux de céramique et les produits de poterie de l'ère moghole. De la poudre de quartz a été appliquée dans les argiles céramiques pour créer une base semblable à de la pierre. Ils ont été émaillés avec diverses substances métalliques et synthétiques pour apporter un doux chatoiement. Un design en céramique peut comprendre de beaux motifs folkloriques, des illustrations scéniques, des figurines féminines traditionnelles et des motifs graphiques modernes. Une conception de carreaux de céramique peut avoir de nombreux thèmes allant des motifs floraux, mythologiques, religieux aux motifs abstraits, géométriques et en mosaïque.

Les dessins sur la poterie peuvent être :

  • Linéaire : Ces motifs en céramique comprennent des rayures, des carreaux, des diagonales, etc.
  • Géométrique : Ces conceptions de poterie sont des arrangements intéressants de formes géométriques
  • Floral : Ce sont des motifs de fleurs, de feuilles, de vignes, de plantes grimpantes, de tiges, d'arbres, etc.
  • Scénique : Ces motifs sur la poterie incluent des paysages, des paysages marins, etc.
  • Figures animales et humaines
  • Des motifs abstraits tels que des effets de couleurs intéressants avec des éclaboussures, des touches, des mélanges et des fusions de couleurs, etc. Ces motifs de poterie n'ont pas nécessairement une forme cohérente.
  • Motifs de poterie sur des thèmes mythologiques.
  • Les dessins chinois dans la céramique et la poterie émaillée contenaient des motifs soignés et subtils de couleurs naturelles vives. Les motifs figuratifs et floraux caractérisent généralement les dessins de poterie chinoise.

Les techniques populaires utilisées pour décorer les articles de poterie sont :

  • Peinture
  • Gravure et sculpture : À l'aide d'outils de poterie, les potiers peuvent créer de magnifiques motifs allant de simples coupes de motifs géométriques à des motifs complexes.
  • Vitrage
  • Placage de métal : La poterie peut être plaquée or, plaquée argent ou plaquée cuivre.
  • Vernissage
  • Décoration de poterie à l'aide de paillettes, fils, perles, coquillages.

Les dessins de poterie ne se limitent pas simplement aux motifs créés sur l'objet en terre cuite. Ils font également référence à l'objet façonné d'une manière élégante, différente et plus attrayante que l'ordinaire. Compte tenu de la formidable perspective de l'artisanat de la poterie, de nombreuses personnes s'intéressent à la fabrication de la poterie en tant que passe-temps récréatif ou dans le cadre de leur profession. Divers ouvrages sur la poterie sont disponibles où sont décrites les techniques de préparation, de moulage et de projection de l'argile. Les plans de poterie sont des directives utiles qui enseignent les bases de la fabrication de poterie d'une manière simple et compréhensible


Poterie Acoma

La poterie d'Acoma est fortement reconnue pour ses bords cannelés, ses parois minces et sa conception géométrique. Les potiers du pueblo mettent en œuvre des techniques similaires à celles trouvées dans la région locale, allant de la collecte de l'argile à partir de sources limitées, à la formation du récipient pour un usage spécifique, à la décoration avec des motifs et à la conception à la main, à la cuisson du pot à haute température.

Même si ces pots étaient traditionnellement enroulés à la main, avec de l'argile mélangée à la main et de la barbotine personnalisée, certains potiers contemporains ont choisi de gagner du temps et de l'énergie tout en construisant de superbes pièces en utilisant des moules. Il n'est pas non plus inhabituel que des pots soient cuits au four, plutôt que la méthode traditionnelle, mais l'expression de l'artiste individuel réside dans la manière dont il a choisi de représenter sa forme d'art. La différence peut souvent être vue et ressentie car les pièces personnalisées ont tendance à être plus minces, plus légères et ont un intérieur rugueux.

Quelle que soit l'approche, la sélection de motifs peints à la main varie. Les motifs traditionnels comprennent des bandes arc-en-ciel, des perroquets et des cerfs ou un motif noir et marron avec un motif géométrique et des lignes fines d'une précision impressionnante.

L'orange et le noir sont des couleurs traditionnelles, cependant, les artistes actuels ont incorporé de nouvelles couleurs vives et éclatantes au fil des générations. Les motifs de hachures symbolisent la pluie, tandis que les éclairs, les nuages ​​de tonnerre et les montagnes sont également représentés. Les influences du cycle de la vie, de l'eau et du ciel sont fréquemment utilisées. De nouveaux designs sont devenus plus détaillés pour attirer l'attention.

La poterie d'Acoma, en dehors de sa valeur artistique prisée, était à l'origine fonctionnelle. La poterie fournissait le stockage, la cuisine et les repas. Les cruches d'eau étaient utilisées par les hommes d'Acoma pour les longs voyages de chasse ou le camping. D'autres pots ont été utilisés comme pots à graines pour stocker les graines à planter dans les années à venir. Aujourd'hui, la poterie d'Acoma n'est pas seulement vénérée et collectée pour ses caractéristiques artistiques uniques, mais aussi en raison de sa valeur historique immensément riche.

Le musée Haak'u et le centre culturel Sky City offrent une éducation et une exposition au Pueblo d'Acoma. Découvrez la culture, rencontrez les artistes et apprenez-en plus en visitant la place du marché. Les artistes exposent, créent et partagent une tradition vivante.


Motifs de poterie géométrique - Histoire

Poterie protogéométrique (1050-900 avant notre ère)

Vers 1050 av. un nouveau style de poterie a commencé à Athènes et s'est rapidement répandu dans toute la Grèce. Le nouveau style est né du Submycenaean et s'appelle Protogéométrique (un nom qui indique sa relation avec le style suivant). De nouvelles formes apparaissent, et d'anciennes formes (survivantes du Submycénien), comme le amphore, sont maintenant souvent plus grands et plus minces (peut-être le résultat d'une roue plus rapide).

  1. technique argileuse - des motifs sombres peints sur un corps d'argile clair.
  2. technique du sol sombre - vase recouvert de peinture à glaçure noire avec des motifs peints dans des bandes réservées.

Poterie géométrique (900-700 avant notre ère)

Les années 900-700 ne constituent pas vraiment une période historique si ce n'est que durant ces siècles le style géométrique est prédominant. Les dates sont choisies plus ou moins par commodité. Le style géométrique apparaît pour la première fois à Athènes au début du IXe siècle. Il termine l'expérimentation de la Protogéométrie en sélectionnant et en suivant systématiquement un système d'ornementation rectiligne (par exemple des croix gammées, des méandres).

Le style se développe avec un usage de plus en plus fréquent des figures et un éloignement du épaule du vase comme endroit pour concentrer l'ornement sur le cou et le corps, pour souligner la forme.

Décoration : Les motifs décoratifs du style géométrique sont presque exclusivement linéaires (points et lignes formés en angles, carrés, triangles, losanges, traits obliques, etc. Les créneaux, les zigzags et les méandres sont également courants. Le méandre est si souvent utilisé qu'il est presque le symbole du style géométrique.

Après environ 800, des figures de la nature commencent à apparaître régulièrement, généralement sous forme de bandes de cerfs au pâturage ou d'oiseaux des marais répétées sans fin autour du vase (voir, par exemple, cette amphore géométrique attique). Les chevaux sont populaires depuis le début. Les animaux et les oiseaux sont pressés dans des formes géométriques. Des figures humaines apparaissent bientôt dans la zone de la poignée.

Au milieu du 8ème siècle, un style de figure avait évolué et entre 760 et 700 (Tate Geometric) le style géométrique atteint sa pleine maturité dans le style pictural élaboré vu sur VASES DIPYLONE (amphores et cratères).

Les principales scènes sur les vases Dipylon comprennent le cadavre du défunt (prothèse), et une procession de pleureuses ou de guerriers à pied ou en chars ou charrettes suivant le corps jusqu'au cimetière (ekphora). Ces scènes sont bordées de bandes d'ornements géométriques, qui ont commencé à perdre leur ancienne importance. Les chiffres sont encombrés par l'ornement de remplissage qui prend tout l'espace disponible dans les panneaux figurés.

helladique (Mycénienne) La Grèce était gouvernée par des rois. Avec l'effondrement de la culture mycénienne a commencé un processus qui mettait moins l'accent sur la royauté. Au 8ème siècle, les nobles ont remplacé les rois et ont commencé à détenir le pouvoir dans des aristocraties basées sur des familles organisées en tribus. À mesure que la royauté s'affaiblissait, la société s'orientait vers l'établissement de la polis. Des villes comme Sparte et Athènes se sont agrandies et ont lentement pris le contrôle des villages dans leur voisinage immédiat. Les polis (imprécisément traduit par « cité-État ») était une entité politique autonome et indivisible qui se concentrait sur une ville mais incluait les terres agricoles environnantes. Ainsi, le polis d'Athènes comprenait une grande partie de Attique. Au début du VIIIe siècle, la société grecque se développait rapidement. Il y eut une augmentation de la population, des débuts d'industrie, une augmentation des contacts étrangers et du commerce. Il y avait aussi le début d'un grand mouvement de colonisation (principalement à l'Ouest - les Grecs s'étaient déjà installés à l'Est [Ionie - Asie Mineure] à l'âge des ténèbres).

    amphore = un pot à deux anses pour le vin, l'huile et d'autres variétés de liquides comprennent l'amphore à anse ventrale, l'amphore à anse cou et l'amphore ventrale (ou monobloc).


Le code couleur caché dans la poterie Mimbres

Les marques à motifs sur certains pots du sud-ouest des États-Unis peuvent avoir été utilisées pour symboliser la couleur dans les arts en noir et blanc.

La poterie classique Mimbres est aujourd'hui célèbre et admirée pour son beau style minimaliste. Des motifs géométriques élégants et des dessins figuratifs ornent ces pots avec une palette de couleurs étonnamment limitée : noir et blanc, et parfois rouge et marron. Mais il s'avère que d'anciens potiers du sud-ouest ont peut-être indiqué la couleur de leurs pièces – en code.

Dans le sud-ouest des États-Unis, après l'an 500 environ, les symboles sur la poterie décorée sont devenus l'un des principaux moyens par lesquels les gens transmettaient et enregistraient en permanence des messages sociaux et religieux, y compris pour la tradition Mimbres, centrée sur la vallée des Mimbres de nos jours. Nouveau-Mexique vers 1000. Une partie du symbolisme se prête à une interprétation facile par les anthropologues contemporains : des figures masquées et dansantes peuvent représenter katsinam, ancêtres divinisés qui apportent la pluie et l'ordre social, un pot montre une femme enceinte rapportant à la maison un cerf de la chasse, parlant probablement des rôles de genre et de la coopération. Il existe de nombreuses images d'animaux, qui peuvent représenter des individus, des traits de personnalité, des associations de clans, des esprits ou simplement des animaux. Les motifs géométriques peuvent être plus difficiles à déchiffrer.

La sélection limitée de couleurs sur ces pots frappants a peut-être été en partie un choix esthétique, mais cela semble aussi avoir été une nécessité. Ces artistes n'avaient tout simplement pas beaucoup de pigments colorés qui survivraient au processus de cuisson utilisé pour durcir les récipients : seuls le noir, le blanc et un ton de terre allant du brun au rouge étaient disponibles. La plupart des vaisseaux Mimbres étaient d'abord «glissés» en blanc, avec des motifs noirs peints ensuite.

L e beau bleu-vert de turquoise, par exemple, pierre qui fait la renommée de cette région, n'a pu être intégré de façon permanente à la poterie. Une peinture bleu-vert à base de roche pulvérisée pourrait être appliquée après tir, mais il s'estomperait rapidement ou s'écaillerait, ce qui en fait une option décevante rarement utilisée.

Alors, comment ces premiers potiers pouvaient-ils représenter la couleur ?

Les éléments jaunes ou rouges dans les récipients polychromes de Mimbres ont tendance à correspondre aux motifs hachurés dans les récipients en noir et blanc de Mimbres. Russell, Klassen et Salazar/Antiquité américaine

Fait intéressant, un problème similaire a été rencontré par les archéologues du XIXe et du début du XXe siècle qui ont essayé de transmettre la couleur de leurs découvertes archéologiques dans le support en noir et blanc des pages imprimées des revues universitaires. Leur solution ? Ils ont choisi arbitrairement des motifs comme substituts de couleurs. Les points peuvent représenter le rouge, par exemple, ou les hachures peuvent signifier le brun. Heureusement pour le lecteur, ces codes simples étaient énoncés dans des légendes.

Il s'avère que les anciens potiers du sud-ouest ont fait de même, mais sans langage écrit pour transmettre une clé, les chercheurs ont dû recourir à des détectives pour déchiffrer leur code.

(RE)PENSER HUMAIN

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Dans les années 1970, l'historien de l'art américain Jerry "J.J." Brody a supposé que les potiers des XIe et XIIe siècles dans la région du Chaco de ce qui est aujourd'hui le Nouveau-Mexique utilisaient des hachures noires - des lignes parallèles rapprochées - sur un fond blanc comme substitut de la couleur bleu-vert. La culture Chaco était centrée sur Chaco Canyon, mais elle s'étendait sur la région des Four Corners de l'Utah, du Colorado, de l'Arizona et du Nouveau-Mexique.

B rody avait remarqué des similitudes frappantes entre les motifs en noir sur blanc sur la poterie et les motifs plus colorés sur d'autres supports, tels que les mosaïques de pierre et les planches peintes, où la couleur était plus facile à appliquer et plus durable. Les dessins étaient similaires, mais là où les mosaïques avaient du turquoise, la poterie avait du hachure.

E n 2003, l'archéologue Stephen Plog de l'Université de Virginie a testé cette idée, comparant l'utilisation de hachure sur des pots à l'utilisation de bleu-vert sur plus de 50 objets colorés. Ses découvertes ont soutenu l'idée de Brody : Hachure semblait représenter la turquoise.

Les régions et les cultures du sud-ouest des États-Unis, comme les Mimbres et le Chaco, ont donné naissance à différents styles de traditions céramiques. Matthieu Peeples

En tant qu'archéologues qui s'intéressent aux processus sociaux à grande échelle, nous nous sommes demandé si cette stratégie allait plus loin que la seule culture Chacoan. Qu'en est-il de la société Classic Mimbres, par exemple, qui a prospéré à peu près à la même époque (1000-1130) et à environ 600 kilomètres au sud ?

Les communautés Chacoan et Mimbres – en grande partie contemporaines et pas très éloignées les unes des autres – avaient partagé des idées et des pratiques à la fois similaires, mais différentes. Les deux ont construit des structures cérémonielles appelées grandes kivas, par exemple, bien que celles du Chaco étaient rondes et celles de Mimbres étaient généralement rectangulaires. Les deux ont construit de grandes structures en maçonnerie ressemblant à des appartements appelées pueblos, mais tandis que les pueblos du Chaco atteignaient le ciel, les pueblos de Mimbres se sont étendus latéralement.

Peut-être que les métiers les plus connus des Mimbres sont leurs superbes navires noir sur blanc. La plupart de leurs conceptions sont géométriques, mais certaines incluent des images figuratives d'animaux, de personnes et de créatures fantastiques engagées dans toutes sortes de comportements. Certains d'entre eux, comme les pots Chacoan, avaient des hachures.

L 'un de nous, Will Russell, a travaillé avec une collection en ligne de plus de 9 000 images de céramiques Mimbres appelée la base de données numérique d'images de poterie Mimbres, d'abord en tant qu'associé de recherche et actuellement en tant que membre du conseil d'administration du projet. Nous étions bien équipés pour faire nos propres comparaisons.

P our notre enquête, nous avons commencé par suivre l'approche de Plog, comparant les vaisseaux hachurés à d'autres artefacts. Malheureusement, peu d'artefacts peints et non céramiques ont été récupérés dans la région de Mimbres, probablement moins de 50 qui peuvent être attribués avec confiance aux gisements de Mimbres. Un si petit échantillon n'est pas idéal pour un projet de recherche, mais il suffit de faire une petite analyse.

Prenons l'exemple d'une petite plaque mosaïquée à motif fleuri, dont les pétales ont été façonnés en turquoise, trouvée dans une grotte du quartier de Mimbres. Quelques bols en poterie Mimbres présentent des motifs floraux similaires. Mais le hachure que nous avons trouvé dans ces images en noir et blanc sur la poterie ne correspond pas au bleu-vert de la plaque, comme dans la poterie du Chaco, mais à la couleur rouge - le centre de la fleur, pas ses pétales.

Les poissons sont le sujet le plus souvent représenté dans la poterie Mimbres, et de nombreuses images d'eux présentent des hachures. Encore une fois, les sculptures en bois de poissons similaires et d'autres artefacts sont rouges là où la poterie a du hachure.

Certaines figures de la poterie Mimbres sont plus faciles à interpréter que d'autres. Sharon Mollerus/Flickr

Vers la fin de la tradition culturelle des Mimbres, un autre type de poterie a été produit : la polychromie des Mimbres, réalisée en ajoutant une troisième couleur, souvent une nuance de jaune à rouge, aux dessins de navires. Le placement d'éléments jaunes ou rouges dans les récipients polychromes Mimbres était stylistiquement analogue à l'incorporation d'éléments hachurés dans les récipients Mimbres noir sur blanc.

Les archéologues et les communautés locales s'accordent généralement à dire que les populations Mimbres ont contribué aux communautés Puebloan actuelles du Sud-Ouest. Fait intéressant, et uniformément à travers les pueblos au cours du siècle dernier, le bleu-vert a été symboliquement lié à la masculinité. Dans la poterie Mimbres, cependant, nous avons constaté que la hachure était divisée à parts égales entre les représentations humaines masculines et féminines, alors que dans les motifs d'antilopes, la hachure était majoritairement associée aux femmes.

Il reste encore beaucoup de travail à faire pour déchiffrer les anciens codes de couleur du sud-ouest. Il existe d'autres styles de marquage sur la poterie ancestrale Puebloan qui pourraient avoir une signification ou une corrélation avec les couleurs. La polychromie Sikyatki, par exemple, fabriquée un peu plus tard que la polychromie Mimbres dans ce qui est aujourd'hui le nord-est de l'Arizona, comprend des récipients qui présentent un motif innovant de peinture éclaboussée obtenu en soufflant de la peinture à travers un roseau. Le rouge Playas, une forme de poterie chihuahua à glissement rouge, présente des motifs incisés allant du chevron à quelque chose qui rappelle un tissage de panier.

Peut-être que les sociétés Chacoan et Mimbres se voyaient aussi sous un jour complémentaire.

Fait intéressant, les anciens Égyptiens utilisaient des couleurs comme le bleu vif dans leurs poteries plusieurs milliers d'années plus tôt que lorsque les Puebloans ancestraux fabriquaient leurs pots. Différentes cultures anciennes à travers le monde avaient accès à différents minéraux et technologies, et avaient différentes priorités et subtilités en matière de communication non verbale. Peut-être que d'autres sociétés de l'histoire ont également utilisé des motifs ou des textures pour symboliser la couleur dans leurs arts en noir et blanc. Casser le symbolisme dans leur art peut aider à révéler quelque chose de plus sur ces cultures.

Notre conclusion selon laquelle le code de couleur dans la poterie Mimbres semble différent de celui de la société Chacoan peut avoir des implications intéressantes. Dans tout le sud-ouest amérindien d'aujourd'hui, le bleu-vert et le jaune sont associés dans des contextes cérémoniels et cosmologiques, à la fois contrastés et complémentaires. Les deux couleurs, comme le noir et le blanc du yin et du yang, sont utilisées pour montrer des contrastes saisissants - homme et femme, eau et maïs, ciel et terre, soleil et lune, monde souterrain et monde supérieur - qui travaillent ensemble pour former un ensemble réussi. .

Peut-être, spéculons-nous, les sociétés Chacoan et Mimbres se voyaient aussi sous un jour complémentaire.


Amphore à poignée de cou

Grec, d'Athènes
Moyen Géométrique I, 850-800 AEC
(Avant que l'ère commune ne remplace BC, avant le Christ)
Poterie
Fonds du musée Gilbreath McLorn (91.255)
Hauteur : 53 cm
Des images supplémentaires peuvent être visualisées dans Argus

Questions d'orientation
Comment pensez-vous que cet objet a pu être utilisé ?

Comment voyez-vous la couleur, le motif et les formes utilisés sur ce navire ? Pourquoi pensez-vous que la période d'où provient ce vase pourrait être appelée la « période géométrique ? »

Comment pourriez-vous décrire la forme générale de cet objet ?

À propos de l'art
Cette amphore à manche est un exemple de style de poterie géométrique moyenne. Les archéologues étiquettent les parties des récipients en céramique comme s'il s'agissait de parties du corps, de sorte que le col du vase est la partie étroite entre le haut et l'endroit où il commence à s'élargir. Les anses s'arc-boutent sur le col du vase, c'est pourquoi on l'appelle un vase à anse. Une amphore est une forme de récipient qui varie considérablement, mais a généralement un col étroit pour le versement, et est plus large au sommet du ventre et se rétrécit à un petit pied ou à une base pointue. Lorsqu'il y a plus d'une amphore, on les appelle amphores. À titre de comparaison, considérons cette amphore à « poignée ventrale » :

Amphore à poignée ventrale
Attribué au Peintre Dipylon
Grec, d'Athènes, géométrie tardive, 760-750 avant notre ère
Poterie
Musée national d'archéologie, Athènes

Ces deux vases auraient très probablement été utilisés comme pierres tombales (pour un art funéraire plus ancien, voir le relief des tombeaux égyptiens).

Le corps de l'amphore du Musée est principalement sombre, avec un panneau décoratif sur le cou et autour du ventre. Les bandes de trois bandes plus claires qui brisent les grandes zones sombres sur le corps sont une caractéristique souvent trouvée dans une période appelée la géométrie moyenne et aident l'archéologue à dater ce vase d'environ 850-800 avant notre ère. A la période géométrique moyenne, différents motifs décoratifs ont également été introduits, comme les motifs triangulaires avec des groupes de lignes verticales qui ornent le ventre et la lèvre de cette amphore. Les deux triangles disposés point à point sont appelés axes doubles et sont similaires à d'autres formes de hache trouvées dans les exemples antérieurs de l'art grec. La forme de cette amphore montre également une transition plus évidente entre le cou et le corps que dans les vases antérieurs, ce qui indique aux archéologues que l'artiste utilisait un tour de potier amélioré. C'est un autre indice qui aide les archéologues à dater ce pot et d'autres objets qui auraient pu être trouvés avec.

À propos du matériel
L'argile cuite est un matériau pratiquement indestructible. Il ne se décompose pas et ne se désintègre pas. Même si un pot se brise, les tessons resteront des milliers d'années et pourront être remontés comme les pièces d'un puzzle par les archéologues. Les tessons de poterie sont l'une des sources de preuves les plus courantes pour les archéologues. En examinant le matériau, la forme et la décoration d'un tesson, les archéologues peuvent être en mesure de déterminer de quelle période il provient et donc de quelle période d'autres artefacts trouvés avec ce tesson proviennent.

À propos de la culture et de l'époque
La période géométrique dans la Grèce antique a duré d'environ 900 avant notre ère à 700 avant notre ère. Ce vase est un bon exemple de la raison pour laquelle on l'appelle la période géométrique, car la plupart des œuvres d'art de cette période comprennent des formes et des motifs géométriques décoratifs. Également pendant cette période, les poèmes épiques d'Homère étaient racontés, des poleis (ou villes) grecques étaient fondées et des temples et sanctuaires majeurs étaient construits. C'était une période révolutionnaire dans l'histoire grecque.

Connexions
Quel genre de motifs géométriques utiliseriez-vous si vous décoriez un pot ?

Comparez et contrastez avec l'amphore de Nolan à figures rouges et les récipients trouvés avec le sanctuaire modèle.


Musée Gilcrease

La production de poterie dans le Sud-Ouest a peu évolué depuis son apparition vers 300 avant notre ère. Les femmes Pueblo enroulent généralement les pots, toujours à la main, et n'utilisent pas le tour de potier. Certains designs ont changé, notamment avec l'utilisation de différentes couleurs, et certains potiers ont innové pour créer de nouveaux effets. D'autres ont réintroduit d'anciennes méthodes de cuisson, notamment Maria Martinez, qui a créé la célèbre poterie noir sur noir. D'autres potiers, notamment Nampeyo, ont fait revivre des dessins et des motifs traditionnels, tout en exprimant les leurs.

Les tribus Pueblo créent les meilleures poteries du sud-ouest et sont connues pour leurs compétences au-delà de cette région. De nombreux Pueblo considéraient les pots « comme ayant une existence consciente, capable de ressentir et d'exprimer des émotions » (Furst et Furst 1982, 38). Cette croyance se révèle dans la production des pots. Seuls certains chants et bruits pouvaient être chantés ou produits lors de la création de la poterie, le potier plaçait de la nourriture avec le pot lorsqu'il était mis dans le four, et lorsque le potier terminait un morceau, " elle a exprimé un profond soulagement que c'était maintenant un ' Made Being', avec une existence personnelle » (Furst et Furst 1982, 39).


Introduction

L'incendie de 1949 à Myott Son & Co & rsquos Alexander Pottery, Staffordshire a été témoin de la destruction malheureuse de précieux livres de modèles et enregistrements qui, non seulement ont supprimé une véritable bible d'informations et de conception, mais ont été l'un des facteurs contribuant à la croissance quelque peu ralentie de Myott dans les royaumes. d'Art Déco, d'antiquités et de collection.

Les articles décoratifs populaires de Myott des années 1920, 1930 et 1940 sont la raison d'être du Myott Collectors Club. Un bon morceau de Myott peut s'asseoir à côté de certains des meilleurs Clarice Cliff et à juste titre garder la tête haute. Il semble que Myott&rsquos &lsquoart&rsquo a été enveloppé par un manque de connaissances et de compréhension, et voilé par l'anonymat. Anonymat causé, non seulement par la destruction signalée des cahiers de patrons, mais par la nature invariablement non signée des pièces. Avec une palette automnale (teintes popularisées par le mouvement Art Déco des années 1920 et 1930) et des dalles audacieuses de couleurs appliquées et de lavis presque insouciants, les pièces Myott sont très distinctives et uniques dans la céramique du XXe siècle. Une fois que vous aurez vu quelques pièces de Myott peintes à la main, vous vous habituerez à repérer facilement le style distinctif des autres pièces de Myott. Ce genre de design typique est le résultat direct de la nature familiale des entreprises de céramique basées sur les poteries de l'époque, produisant des looks très distinctifs à travers le spectre des poteries en grande partie familiales.

La collection Myott n'a atteint que récemment le niveau qu'elle mérite à juste titre, Internet jouant un rôle important dans l'éducation des collectionneurs et des marchands en reconnaissant la variété et l'importance de ces merveilleuses œuvres du passé. Il semble incroyable qu'une majorité de livres publiés sur l'Art Déco (qu'ils soient spécifiquement orientés céramique ou non) ne présentent pas ou même ne mentionnent pas les œuvres de la famille Myott et des designers associés, qui n'étaient en aucun cas insignifiants dans la région des Poteries dans le Staffordshire au cours de la période entre la Première et la Seconde Guerre mondiale à laquelle le Myott Collectors Club s'intéresse principalement. Cependant, les cinq dernières années environ ont vu une augmentation spectaculaire de la valeur des « articles d'art » de Myott, en particulier en ce qui concerne les conceptions Art déco et les motifs géométriques. On entend souvent des marchands (décrivant des formes telles que le vase Torpedo) des phrases du genre "Il n'y a pas si longtemps, je ramassais ces pièces pour vingt livres!". Les prix gonflés et la disponibilité décroissante des articles déco tels que Clarice Cliff sont un agent probable. Il semble cependant que certains des modèles de Myott les plus rares, d'une conception plus conventionnelle ou conservatrice, n'aient pas été mérités avec une valeur proportionnelle par rapport aux modèles les plus courants. Au fur et à mesure que la compréhension et les informations augmentent, un guide de prix complet et précis peut être catalogué, ce qui donnera aux collectionneurs et aux revendeurs une image plus large de Myott.


Stuart Lonsdale explique l'histoire et la conception de la poterie Gouda

Dans cette interview, Stuart Lonsdale parle de la poterie Gouda, en se concentrant particulièrement sur les dessins et les marquages ​​des artistes. Basé en Angleterre, Stuart peut être contacté via son site Web, Gouda Design, qui est membre de notre Hall of Fame.

Je pense que tout a commencé avec un petit vase en poterie que ma mère s'est procuré dans le magasin de poterie d'art où elle travaillait au début des années 1920 et 1930. Après sa mort en 1988, je n'ai pas fait beaucoup attention au vase au début, mais un jour, j'ai regardé en dessous et je me suis demandé ce que signifiaient toutes les marques. J'ai commencé à essayer de faire des recherches, mais c'était très difficile parce que nous n'avions pas Internet à l'époque. Je suis tombé sur un livre de Phyllis Ritvo, The Monde de la poterie Gouda, et tout est parti de là. Ensuite, nous avons eu un ordinateur et avons commencé à enquêter sur Internet.

Nous avons commencé le site Web, et depuis lors, il a fait boule de neige. Nous avons commencé à recevoir des e-mails de collectionneurs en Hollande qui ont été étonnés de découvrir que quelqu'un en Angleterre écrivait sur Gouda. Nous nous sommes fait beaucoup de très bons amis hollandais que nous rendons visite deux ou trois fois par an. Et tout est parti de ce tout petit vase.

J'étais attiré par le vase parce qu'il y avait tellement de couleurs différentes sur une si petite pièce. Les couleurs n'étaient pas complémentaires et il y avait un fond noir. Je n'avais jamais rien vu de tel auparavant. Je n'étais pas intéressé par la poterie, mon seul intérêt était le fait que le vase était dans la maison. C'est parti de là. Difficile de dire pourquoi.

Collectors Weekly : Pouvez-vous nous parler un peu de l'histoire de la poterie Gouda ?

Lonsdale: Il n'y a pas d'usine appelée poterie de Gouda, la poterie s'appelle ainsi car les principales usines étaient à Gouda. Gouda (prononcé « how-da ») est le terme générique que nous utilisons pour toutes les usines de poterie en Hollande – toutes les poteries néerlandaises autres que Delftware, c'est-à-dire.

La zone autour de Gouda avait de l'argile pour faire des pots, c'est pourquoi la plupart des usines s'y sont installées. Une grande partie de l'argile venait également d'Angleterre. Les Hollandais ont commencé à produire des pipes en terre vers 1740, et certaines des usines qui fabriquaient des pipes en terre se sont tournées vers la poterie en raison de la demande. Ils ne l'ont pas fait par amour, ils l'ont fait pour le profit. Les gens voulaient de la poterie pour leur maison.

Ce style de poterie a été lancé vers 1898 par une société appelée Plateelbakkerij Zuid-Holland, ou PZH, mais ils n'ont pas produit le type de poterie que vous voyez sur notre site Web. Cela n'a été fait que vers 1910, lorsqu'ils ont découvert un nouveau procédé pour produire de la poterie émaillée mate. Il était connu sous le nom de procédé rhodien, qui est en fait le nom d'un des décors les plus populaires. Elle était connue sous le nom de poterie émaillée mate.

Collectors Weekly : Qu'est-ce qui caractérise la poterie Gouda que vous avez mise en avant sur votre site ?

Lonsdale: Les dessins fleuris et tout en courbes. Alors que la Hollande a commencé avec l'Art Nouveau. Mainly you concentrate on the matte glaze, which for us is the mixture of abstract and floral designs. You can mix the two together and it makes a lot of bright colors. The use of bright colors and the mixture of floral, abstract, and geometric designs all on the same piece is a lot more attractive to us.

Collectors Weekly: Was there a strong differentiation between the Art Nouveau movement and Art Deco in terms of Gouda designs?

Lonsdale: Not necessarily between the periods… the designs, shapes, forms, and patterns blend together. Holland also produced simple abstract designs which are definitely Art Deco, not Art Nouveau. Whichever design you like, that is the most attractive part of it. They produced abstract floral – not just the Art Nouveau floral, but abstract floral, which sounds a bit silly. It wasn’t floral and it wasn’t abstract it was a mixture of both. Of course, they also produced a lot of geometric designs, which a lot of Art Deco pottery did.

Collectors Weekly: Were there any particularly influential designers or pottery schools?

Lonsdale: I’d have to say just the Amsterdam school. There were quite a lot of designers who worked for other factories and moved to Zuid-Holland when the PZH factories started. A lot of really good designers started working for PZH and carried on the designs from the Art Nouveau period into the Art Deco period. That’s what attracted us to them – the mixture of abstract forms with floral forms, which were highly unusual. No other pottery factory has done that. It’s not just one form it’s a mixture of all different forms. I think what most people find attractive is the mixture of different bright colors.

Gouda pottery was exported by the millions all over the world. You name a country and it was exported to it all over England, America, South Africa, Australia, New Zealand. Millions of pieces were exported – vases, plates, you name it. They’re not hand-thrown, they’re all molded from liquid clay, but every one is hand-painted. That’s why there were so many different artists that worked for all the different factories.

They’re signed on the bottom, mostly by the person that painted them. It’s not really their signature in full but their initials, because when they were making them, they had to know which particular person made which pot. They were paid by the number of pots they produced, so the initial was used by the factories to determine how many pieces were made.

We collect all sorts, all designers, all painters, all years, from 1900 up to the 1950s and the 1960s. We collect everything.

Collectors Weekly: Was Gouda made in sets?

Lonsdale: Yes, there were some sets. There were lots of tea sets. There were smoking sets. There were drinking sets with trays and cups. There were individual pieces with pairs of vases. You can think of anything and it was made. A lot have survived in sets, but mainly you will find individual pieces, because sets tend to get broken up. One piece tends to get broken. You can still find sets, but most pieces you’ll find were part of a set or produced individually.

Collectors Weekly: Was there a certain period of time when people really started to get interested in collecting Gouda pottery?

Lonsdale: I don’t know when people started collecting Gouda pottery. We have some friends in Holland who’ve been collecting it for many years, a lot longer than we have. If I would guess when people first started collecting, it would be mainly after World War II.

You have to remember, pottery wasn’t made for collecting it was made to be used. It would have been found in a lot of homes in Holland, and the people who owned it wouldn’t have thought twice about it. For them, it was everyday household pottery that just happened to be bright and colorful. After World War II when the factories started to close is probably when people started to take an interest in it.

I suppose you could say the heyday of Gouda pottery ended in the mid-1930s with the recession, which was all over the world. After that, a lot of the factories, not just Gouda factories but factories all around the world, just simply didn’t recover. During World War II, when the Germans invaded Holland, they took over the Zuid-Holland factory, and the employees were forced to make pottery for the German market. There were still some pieces made, but mainly they were forced to make pottery for the domestic German market.

Collectors Weekly: Are there certain Gouda pottery items that are particularly sought after?

Lonsdale: We never use the word “rare.” I don’t think there’s such a thing.” Names such as Chris van de Hoef are highly sought after by collectors, and some of their pieces can command very high prices.

Most people start collecting Gouda pottery because they like the look of it. They probably even didn’t know what it was when they started out. Maybe they looked at a piece, thought it was nice, turned it over and saw it said “Gouda” on the underneath.

We get that in e-mails. People say, “We went to an antique shop and we picked up this piece because we liked it. Then we discovered that it was Gouda, and we went on the Internet and typed in the word ‘Gouda,’ and it brought us to your website.” They send us a picture and they want to know more about it. When we tell them information about it, they say “Well, perhaps we should collect some more.” It’s so colorful it’s so bright. It does stand out.

Like I said, pottery wasn’t made for people to collect it was made for people to buy. If the Arts and Crafts movement was what people liked, then that’s what the pottery factories would make. It’s the same reason why the pottery factory declined after the war: people’s tastes changed, so the factories had to start making items that people wanted. The trouble was that there were lots of other countries that started making it a lot cheaper.

Collectors Weekly: You have pages from other collectors on your website. How did you start doing that?

Lonsdale: They just contacted us by email and said, “We have a collection. Would you like to put it on the website?” So we did. I think most people collect like we do, which is a varied selection, not necessarily themed. Mostly what I can see on our website are the very varied collections. We have lots of wall plates, lots of vases, lots of figurines. We also have a lot which will never be on the website because it’s a private collection.

Collectors Weekly: Tell us a little bit about the figurines.

Lonsdale: In Dutch it’s “plastiek,” which means “figurine.” We have quite a lot of figurines in our collection, mainly the plain cream ones or plain white ones. They were not necessarily for use in the home they were more decorative.

Think of a shape and that’s it all types of shapes, not necessarily one particular one. Animals are very popular. Shapes of people are very popular. Naked ladies are very popular. Figurines of all sorts are quite collectible, particularly by the designer Chris van de Hoef. His figurines are very collectible, mainly from the 1920s and 1930s.

I think the figurines were all sold individually, although there may have been a theme. We particularly like bears and elephants. We have quite a few in the collection.

Collectors Weekly: What are the best places to look for Gouda pottery?

Lonsdale: Nowadays, you can find it on eBay, but we don’t tend to buy off eBay anymore. We tend to buy mainly from antique shops and antique fairs or on our travels to Holland. Our friends will often buy pieces for us or tell us of pieces available in Holland that we buy when we visit.

There are no Gouda collectors clubs. A lot of our friends in Holland do get together and travel to collectors’ fairs, but they don’t actually sit down and discuss the pottery. Occasionally the museum in Gouda has an appraisal where people can bring in their pieces of Gouda pottery and the collectors give information on them, but they don’t do that on a regular basis.

(All images in this article courtesy Stuart Lonsdale of Gouda Design)

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183 comments so far

Further to my previous comment, I think the number could be 509 and initials JZ

Thanks for the reference to Hongan Ware on your site. Do you have any other resources I could try for more info. Thanks agin.

Hazel. Arnhemsche Fayancefabriek was founded in Arnhem in 1910 until 1934. The Rooster mark was in use on items between circa 1920 until circa 1933. To give a more precise date I would need to see the style of the marks. The style of the Rooster did vary according to the date. The Rooster and just the word Arnhem with no other words would indicate a date circa 1910 to circa 1920. I would need to see the marks to tell you the painter – if known. Also the decor name – if known. There were a couple of painters who used a Z style in their mark. Without a picture I cannot tell you which one it was. Deciphering painters marks can sometimes be a real nightmare! The number refers to the model/shape.
Please send me a good quality picture to [email protected]
Please ensure the subject line contains the word Gouda.
If not it may be deleted as spam.
Stuart.

Don. Sorry I have no other information to give you. I was once in touch with a collector, David in Ontario, Canada, but lost touch many years ago. Our Dutch friends have no more information. It’s a case of searching the internet and one may be lucky. If you find any information let me know! Stuart.

I have purchased a jardinière with a house mark and the words Zomer Holland.It has a colourful pattern. Could you tell if you are familiar with this mark and if so, the date. Many Thanks Vera

Vera. Your jardinière was made by Plateelbakkerij Zuid-Holland (PZH). The decor name is Zomer. It is a very commonly seen decor and was mass produced between 1917 and circa 1930. If you go to our website Gouda-Design and put Zomer in the search box you will see some examples.
Without a picture I obviously cannot tell you the exact date.
Please send me a good quality picture to [email protected]
Please ensure the subject line contains the word Gouda.
If not it may be deleted as spam.
Stuart.

My husband inherited a Gouda vase from his parents. It was the first gift his grandfather presented to his grandmother. Anyway, I’ve always wondered about this piece because it is beautiful. Its rather tall, with 2 handles. The bottom is a dark, cobalt blue in color and grows to a green and beige color and looks like a sunflower with a leafy vine. I cannot find any information about where it was made or who the designer is. It is inscribed with a Y S Z, Zuid-Holland, Gouda. Can you tell me more about this piece? Merci!

Lee. Thanks for asking a question. I can tell you that your vase was made in Gouda by Plateelbakkerij Zuid-Holland (PZH). As for more information I really do have to see a picture! There are many decors as you describe with the same colours and floral design, including lots with stylized sunflowers – they were a popular subject.
Please send me an email with good quality pictures of the vase and backstamp to [email protected]
Please ensure the subject line contains the word ‘Gouda’.
If not it may be deleted as spam.
Stuart.

Dear Mr. Lonsdale,
My Husband and I inherited two Zuid.Holland Gouda Vases from his parents, they have been in the house for about 70 years by pure accident, and while we were packing we find out. I made my research and read your interview with Collectors Weekly, and all your information about Gouda. Brief the First Vase is about 102 cm composed of 4 pieces, the upper bowl is removable while the three others are connected with an ax from the bowl’s base to the lower stand. On the reverse side of the bowl written: 121 N.P. after a house then below Zuid.Holland.
Gouda.
.B.
while on the underneath: first a House, then Gouda
Then Holland and on the left side 139. N.P. on the same line H

The second Vase composed of three pieces about 100 cm related to each other with an internal ax ,we wouldn’t remove the bowl to avoid broken it. so we cannot tell u what prescription is under the bowl, but on the reverse side of the base : Zuid.Holland then a House then 139 Gouda H.
we will be much grateful to you if you kindly furnish us, if possible, with : production Date and by whom was made, because they really beautiful.
Awaiting your reply to send you photos.
Thank you so much for you precious help.
Best Regards,
Guita Oweida

I have a small shallow octagon shaped piece of pottery with a little teacup style handle. It was made by Goedewaggen and looks to be hand embossed with the number 951. As well it has been hand painted with the number 620 and capital letters IRAK. Inside the cup is a hand painted bird with foliage. I am curious to know how old the item may be and if it carries any follow. Your thoughts and insight would be very much appreciated.

I have this pot which is pottery blue/green in colour, has one purple flower,one yellow flower and what look like berries on a stick. these are on a white back ground with a dark brown rim top and bottom. on the base of the pot is FLORA GOUDA HOLLAND no date no and no other names. I am just trying to find out about it. After looking at photos on google, I can not see another like it, any information would be helpful. Thank you for reading

Hello Sue. Thanks for your question. This was made in Gouda by Plateelbakkerij Flora. Founded in 1945 and taken over by Koninklijke Goedewaagen in 1993. Flora used many decors with purple and yellow flowers. Some had names others did not. From your description it could be decor ‘Sylvia’. Date would be between circa 1959 – 1967. Flora did not use date codes. All were mass produced. If you send a picture I may be able to tell you the decor. Send it to [email protected] and ensure the subject line has the word ‘Gouda’ or it may be deleted as spam. Stuart.

I inherited my gouda vase from my brother inlaw, it’s 81/2 ” tall, has the number 976, Woerden, with a tree and the # 1 under the tree and beside the tree is a house/windmill with initials A.V.W. and last followed by Gouda, Holland. It has a two cracks in the lower portion of the handle that has been repaired. Could you tell me anything about this vase, such as age, value and should I get it repaired by an expert?

Louise. An email has been sent to your email address. Stuart.

I found a vase that has a 701 on the bottom the seven has a line through it ,its about a foot tall part of the top is folded over into like a v.Onthe front is a grape leaf and a bunch of grapes .Its colors are beige and like a darker around the grapes.Around the sides it has like square stamps one of a circle round and round ,a square with a flower in it,.These all around the vaescan you tell me anything about it Thank You

Sharon. An email has been sent to your email address. Stuart.

I HAVE SOME SERVICE WARE PLATES W/ THE Plateelbakkerij Zuid-Holland (PZH) ON THE BACK, I WAS TOLD FROM PEOPLE I HOLLAND THESE ARE FROM THE 1930’S, I THOUGHT THE COLORS WERE MORE 1950’S/1960’S, I THINK THEY ARE PRETTY AND BRIGHT I HAVE (4) 7.5″ AND (1) 6″ AROUND

Donna. An email has been sent to your email address. Stuart.

Please note. As from October 15 we will no longer be able answer questions. Please don’t post them as we will not reply. This is due to personal and business reasons. We want to thank everyone who has submitted comments. You can find lots of information at our website Gouda-Design. Stuart & Kim.

Hello we have a decorative pot I think is duch it has
361/20 corona plazuid holland dated I think
17 37
I was reading u r stuff and thought it would be interesting on this piece of pottery

I just found a beutiful floral ashtray with 2860 Royal zuid holland Gouda on the back that I am trying to find more information on. It has a red flower in the middle with leaves and yellow outline. It looks like it has the word Areo RV with a little house symbol. Toute information serait appréciée.

I have inherited 2 identical items ( 21cms tall) bulbous vases. Beau! Base marks read from the top the no 800 then below the name RHODIAN then below that a small diamond and alongside that a windmill and then a small shape like the letter f. the bottom line reads HOLLAND. Also on the base is imprinted a large mark – on one vase similar to the letter P, but with a tail, and on the other similar to the letter T. Any information would be appreciated. Merci.

Dear Stuart, I have 2 candlesticks – green and orange tones. The name on top of inscription is Lairo. Also Royal Zuid-Holland, Gouda. The rest is a bit difficult – could be an ‘s’, a house with 2 lines through it then 10 (maybe). At the bottom it seems to say 54dy. Very vague – I do apologise. Should I put them away in the cabinet or is it fine to have them within reach of the grandkiddies? Many thanks in anticipation of your reply. Good wishes. Heather Purdy

My Dutch wife inherited a small (10cm high) twin handled vase with gently flared neck and deep yellow / gold lava flow border. The body of the vase is decorated with flowers in muted yellow / orange / purple flowers and foliage. The handles and inner surface of the vase are vivid blue in colour. The bottom of the vase is decorated in the same colour as handles in the style of the lava rim but upside down.
The underside is marked VEA KPZ HOLLAND with a central TILTED HOUSE and the numbers 3409 and 2297 at the top and bottom respectively. The initials right centre possibly read WG and the symbol centre left looks similar to an anchor (?).
Any assistance you could provide with age and history of this piece would be greatly appreciated.
Kind regards,
Paul Whyatt

I have a jug 6″ high, cream coloured with flower and bird decoration on crackle glaze.
It has a 3″ base and a backstamp
114:
IRAK
ROYAL GOEDEWAAGEN
GOUDA
Made in Holland
I would be grateful if you could give me some idea of its date
Thank you
Mary Taffler

I have a small bowl with a brass top it has the words
It seems like “grety Gouda” there seems to be an ml and the
And the number 176 again not sure if the first
Number is actually a 1 it is also marked made in
Holland. There seems to be an x on the ml too.
Any information re date and how much is it worth
Thanks in advance

I have a small bowl with markings 3172-underneath unique-under that the house symbol and beside it the letters J A B I think.Under that Gouda Holland and the mark for 1949. It is 4 1/2 in. Across top and 3 1/2 I’m on bottom. It has an olive green border around bottom and a lighter green scalloped border around top. Bunches of 2 brown leaves around it. It is a whitish grey color with water droplet marking. It is light green inside. I would appreciate any information about it. Thank you Beth

I have a small bowl that says “Regina” on the first line, then on the second line it says “Gouoda:Holland”, under that it says �” and under that it says “Rosario” so no initials. Just wondering if it’s rare or quite common. It is beautiful regardless.

I have a vase that is typical hand-painted flowery Gouda-style. It has quite a bit of crazing and the bottom is signed IVORA HOLLAND 105 Delft and something that looks like OBO or 180. Also has an etched 105 on the base.

I would think this would be Ivor a gouda, although there is nothing to say Gouda on it. Is this common?

I just inherited a beautiful Gouda vase about 10 1/2 inches tall. It has a brown background with colorful swirls. In teal, burnt orange, colbalt blue and ivory. The marks on the bottom are:
824
T ‘18
E
Gouda
Hollande
T
Are you able to tell me a little about it?
Merci!

I have a pair of vases that I bought because I liked them and particularly the impressionistic cows in a field against a background of a farm building with hay bakes with the back comprising the wild flowers at the edge of the field in close up. Curious about these impressive vases ( approx 32 cms high) I found an Australian website of a Gouda collector with similar bucolic scenes apparently inspired/copied by artists of the 19/20th century. The problem is they have no marks whatsoever to the foot. I have images if you’d care to see but was wondering if Gouda ware of the 1900 period was ever unmarked. They are very skilfully hand painted. Thank you for any consideration you might be able to provide. Clive Tunnicliffe

Hi I have a vase with two handles and sunflowers on it. The vase is 15 inches high. On the base is a number I think 187 with the word ZUM under it. Then Arnhem followed by Holland and bellow that it looks like a WH but the W looks more like a V with a line coming down almost joining the H. Do you know anything about this, is it an earlier style of Gouda or a later one. Many thanks suzie

I have two long necked Gouda vases, both with number 1302 on them. One has initials CW and the other has a number 49. Another vase with a shorter neck is marked 804 with initials JB and an image with a 12 under it. There is also a frog vase with number 124 and initials JB. All of these vases are of the same design. I would like to know more about them.

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Key Figures in Wedgwood History

26
Sep Famous Potters, Fenton | Sans commentaires

It is generally claimed that William Greatbatch was apprenticed to Thomas Whieldon and first met Josiah Wedgwood I at Fenton, but there is no documentary evidence to support this. Greatbatch may have been acting for Wedgwood in London as early as June 1760. It is certainly the case that in 1762 he began a close business association with Josiah I, as well as setting up a pottery in his own right at Lower Lane, Fenton.

Greatbatch began to supply Wedgwood with a wide range of block moulds and biscuit earthenware (for colouring and glazing at Burslem) and probably finished wares also. An arrangement between the two potters seems to have been maintained until the mid-1770s.

Greatbatch continued in business for 20 years but was declared bankrupt in 1782. By 1786 he had gained employment at Etruria, on very favourable terms, and probably became general manager from 1788 until his retirement in about 1807. Josiah I evidently had high regard for his colleague and allocated him a substantial pension.

Brother to Enoch Wood, a celebrated Staffordshire potter and modeller, William Wood was apprenticed to Josiah Wedgwood I in Burslem and later became chief modeller of useful wares. He also worked on the first edition of the Portland Vase.

In 1768 Josiah I helped his nephew, Thomas Byerley, emigrate to America. Byerley was an aspiring writer and actor but he eventually settled in New York as a schoolmaster. He returned to England in 1775 due to the outbreak of the American War of Independence and was employed at Etruria before becoming the London manager on Thomas Bentley’s death. Byerley was succeeded in London by his son, Josiah.

The French spirit of the Barbizon School of naturalistic painters was brought to the Potteries by artists such as Edouard Rischgitz (employed by Minton c1864-70) and Emile Lessore. The latter was born in Paris and studied under Hersent and Ingres.

Lessore first painted on ceramics in Laurin’s factory at Bourg-la-Reine, near Paris, and he later worked at Sèvres for six years from 1852. Following the death of his wife in 1858, he moved to England and was employed by Minton. However, he felt artistically constrained and oversupervised, so in the spring of 1860 he approached Wedgwood for work. His appointment was confirmed in August that year.

At Wedgwood, Lessore enjoyed artistic freedom, and he built up a decorative art studio that boosted the firm’s national and international standing. A large selection of his work received widespread acclaim at the 1862 Paris Exhibition, and the retailers Phillips, of London, subsequently purchased the entire display. Lessore’s only remaining complaint was the English climate, which had an adverse effect on his health, and he negotiated a flexible arrangement with Wedgwood which allowed him to return to Paris with the option of living in London in the summer.

In time, Lessore assumed a somewhat ambassadorial role and concentrated on providing outline sketches and designs suitable for enhancement by Wedgwood’s workforce. By 1867 demand for his style of work had declined, and two years later both parties reluctantly entered into a new agreement whereby he continued to work for Wedgwood in a very limited way only.

Regarded as the leading Staffordshire painter of the 19 th century, Allen trained at the Stoke-on-Trent school of Art and won a National Art Training Scholarship in 1852. After studying at the South Kensington School of Design in London, he was employed by Minton as a figure painter. In 1876 he joined Wedgwood, and the firm thus gained a prestigious replacement for Emile Lessore. He maintained his position as director of the Fine Art Studios (effectively art director) at Etruria for 20 years from 1878 and fully retired in 1904. Allen’s figure work – often depicting romantic, scantily clad females – is predominant on vases and plaques, but he was also responsible for the development of tile and tableware designs at Etruria.

John Goodwin joined the design staff at Etruria in 1892 and was appointed art director in 1904. This was a time of great rationalization for Wedgwood and Goodwin proved a realistic manager. He replaced the Victorian-inspired art wares with more conventional ranges and adopted many of Wedgwood’s original 18 th -century tableware shapes and patterns to suit 20 th century demands. Goodwin particularly targeted the American market, which had traditionally always admired Wedgwood’s wares in the “Federal” (neo-classical) style.

An ideal balance was formed at Wedgwood, with Goodwin overseeing the manufacture of commercial ornamental wares (by designers such as Daisy Makeig-Jones) and Alfred and Louise Powell concentrating on art wares. Before his retirement in 1934, Goodwin’s marketing experience with traditional middle-range tableware helped Wedgwood to survive the disastrous effects of the Depression.

Alfred Hoare Powell (1865 – 1960) – Ada Louise Powell (1882 – 1956)

In 1903 Wedgwood received a series of contemporary designs from Alfred Powell and, conscious of the public interest generated by the Arts and Crafts Movement, immediately realized their potential and put them into production. Powell trained as an architect, but in the 1890s abandoned the traditions of “drawing board” design and became involved with the revival of vernacular styles. In 1906 he married Emile Lessore’s granddaughter, Ada Louise, and the couple began working together as Alfred H and Louise Powell. Early in the following year Wedgwood set up a studio for them at Bloomsbury, London.

Louise Powell trained at the Central School of Art in London, and was for many years closely associated with the Arts and Crafts Exhibition Society. She and her husband often worked together on important commissions and it is therefore sometimes difficult to distinguish the individual hand. Their designs tend to fall into two categories: either fairly simple flower and foliage sprig patterns for tableware or rich Islamic-and-Renaissance-inspired pictorial, foliate and armorial designs for ornamental pieces.

The Powells visited Etruria regularly, and on one occasion forwarded the idea of producing some existing printed and painted tableware patterns in a totally free-hand form. This met with approval and a number of such patterns were retailed through the firm of James Powell & Sons, to whose owner Alfred was related. This successful revival of hand-painting at Etruria led to the establishment of the handcraft department, under Millicent Taplin, during the 1920s.

The volume of work that Alfred and Louise Powell executed for Wedgwood declined after Francis Wedgwood’s death in 1930, but the couple continued to purchase blanks from Etruria. Much of their later work comprised armorial chargers for country house owners and depictions of historic buildings.

Millicent Jane Taplin (1902 – 80)

Under the influence of Alfred and Louise Powell, girls from various art schools began to be trained at Etruria in free-hand pottery decoration. Initially, Alfred (“Beaver”) Powell gave them drawing lessons, and only after several months’ training were they allowed to progress to the overglaze painting of earthenware. By the mid-1920s the girls were hard at work on the Powell’s Queen’s ware designs and in 1826 a handcraft painting studio was opened under the supervision of Millicent Taplin.

Taplin began working for Wedgwood in 1917, when she was still a part-time student at the Stoke and Burslem Schools of Art. She became involved in the painting of Persian and Rhodian wares and was selected to train under Powell. In 1928 she started to create her own patterns and by the late 1930s had become one of the Wedgwood’s most productive designers.

During World War II, Taplin took up full-time teaching at the Stoke School of Art, but remained a consultant for Wedgwood and returned to Etruria when peace prevailed. From about 1956 to her retirement in 1962 she ran the newly combined china and earthenware hand-painting departments.

Keith Day Pearce Murray (1892 – 1981)

Born in New Zealand, Keith Murray moved with his family to England in about 1906. He served with distinction in the Royal Flying Corps during World War II, and afterwards trained as an architect, but found it impossible to obtain work in the depressed financial climate. As a result he began to take an interest in contemporary glass design and in 1932 he was engaged at the Stevens and Williams Glassworks in Brierly Hill. In the same year, Wedgwood first used his freelance services and within a matter of months he was secured to work for the company on a regular basis.

Murray rapidly developed a series of simple, functional tableware and vases incorporating Wedgwood’s newly developed matt opaque glazes, as well as traditional bodies such as black basalts and red stoneware. The range was exhibited in London and on the Continent from 1933 to 1937 and was well received. Most of his designs were included in Wedgwood’s Catalogue of Glazes, Bodies and Shapes Current for 1940-1950 and many were still being produced well into the 1950s. His last major ceramic design task for Wedgwood came in 1946 – a completely new table service combining plain utilitarian appeal with the capacity to carry any form of decoration. Not surprisingly, the “Commonwealth” service took two years, and a large production team, to complete.

During 1938 a foundation stone was laid at the site of Keith Murray’s largest physical achievement for Wedgwood. In his capacity as an architect he was selected to design, with his partner Charles S White, the modern factory at Barlaston.

Cecily Stella (“Star”) Wedgwood (1904 – 1995)

Star, the daughter of Francis Hamilton (Major Frank) Wedgwood, was introduced to pottery decoration in the late 1920s by way of Alfred Powell’s painting classes at Etruria. During the early 1930s she became a designer herself and was responsible for a number of patterns on bone china and Queen’s ware. In 1937 she married Frederick Maitland Wright, who later became Wedgwood’s company secretary and joint managing director with Norman Wilson.

Norman Wilson (1902 – 1985)

The son of a china manufacturer, Norman Wilson spent the early 1920s at the North Staffordshire Technical College. When his father’s health began to suffer, Wilson found himself running the family business as well as continuing his studies. Growing tired of the continuous struggle, he emigrated to Canada and began to earn a living breaking ponies.

In 1927 he was contacted by Francis Hamilton Wedgwood and returned home to replace Major Bernard Moore as works manager at Etruria. He supervised the installation of new kilns and developed various bodies and new matt glazes. His design work included new tableware shapes, such as “Barlaston”, “Globe” and “Leigh”.

After serving in World War II he was appointed production director at Barlaston in 1946, and from 1961 until his retirement in 1963 he served as joint managing director with Frederick Maitland Wright. Throughout his career with Wedgwood, Wilson produced a number of “Unique” studio wares, which were not designed to be retailed through the normal channels. A selection of these were shown at the Grafton Galleries in 1936.

Arnold Machin (1911 – 1999 )

Born and educated in the Potteries, Machin joined Minton as an apprentice paintr while also studying modelling at the Stoke School of Art. During the Depression he left to work for Royal Crown Derby and then became a student at the Derby School of Art, later winning a scholarship to the Royal College of Art. In 1940 he was employed as a full-time figure modeller at Barlaston, where he spent the war years producing figures and groups in a manner reminiscent of traditional Staffordshire “flat-backs”.

In the 1950s Machin taught at art schools in both Stoke and London. During the 1960s he designed new coinage and was awarded the honour of an OBE in 1964 for his work in this field.

Walter Robert Minkin (1928 – 2012)

Robert Minkin trained at the Wimbledon College of Art and the Royal College of Art. He joined Wedgwood as chief designer in 1955 and progressed to design director by 1979. As well as producing a number of distinctive tableware patterns, he is renowned for a cylindrical coffee set which was first issued in black basaltes and later in ravenstone matt glaze. Minkin was also responsible for the gilt plaques, adapted from originals in the Tutankhamun treasure, which formed part of the 1978 “Egyptian collection”. He retired in 1989.

Eduardo Luigi Paolozzi (1928 – 2005 )

Paolozzi studied at the College of Art in his home town of Edinburgh before training at the Slade School of Fine Art, Oxford and London. Thereafter he lectured at various art institutions, both national and international, and his work achieved many awards. In 1970 he designed a limited-edition set of six brightly coloured silk-screen printed plates for Wedgwood, entitled “Variations on a Geometric Theme”.